Пространственные виды искусства: маньеризм и готика - Культура и искусство реферат

Главная

Культура и искусство
Пространственные виды искусства: маньеризм и готика

История возникновения готики, исследование ее парадоксальных особенностей в пространственных видах искусства. Ознакомление с маньеризмом - художественным течением в европейской культуре XVI века. Его специфика и наиболее известные представители.


посмотреть текст работы


скачать работу можно здесь


полная информация о работе


весь список подобных работ


Нужна помощь с учёбой? Наши эксперты готовы помочь!
Нажимая на кнопку, вы соглашаетесь с
политикой обработки персональных данных

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

1. Исторические основы готики и маньеризма
1.1 Возникновение готического стиля в искусстве
2. Готика и маньеризм в пространственных видах искусства
2.1 Маньеризм в пространственных видах искусства
2.2 Готика в пространственных видах искусства
Искусство Маньеризма напоминает искусство готики. Оно мистично, устремлено ввысь, очень духовно, прихотливо. Так что страны Северной Европы с удовольствием продолжили культивировать родные им готические традиции, которые эти страны пронесли через весь Ренессанс.
Маньеризм - (от итальянского maniera - приём, манера) течение в европейском искусстве XVI века. Представители маньеризма отошли от ренессансного гармонического восприятия мира, гуманистической концепции человека как совершенного творения природы. Острое восприятие жизни сочеталось с программным стремлением не следовать природе, а выражать субъективную "внутреннюю идею" художественного образа, рождающегося в душе художника. Маньеризм большее распространение получил в Италии. Над ним работали: А. Бронзино, Понтормо, Дж. Вазари, Дж. Романо, Б. Челлини и другие. Маньеризм можно встретить в произведениях, живописи, скульптуре, музыке. Маньеризм стал популярным благодаря художнику Дж. Вазари, который характеризовал им высокую степень грациозности, уравновешенности и утончённости в искусстве. В период Высокого Возрождения (Ренессанс) Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэлем, термин "Маньеризм" относили к искусству, которому свойственны метафорическая насыщенность, пристрастие к гиперболе и гротеску. Рафаэль, один из работающих над этой темой, отказался от предельно ясных и уравновешенных средств выражения, свойственных Высокому Возрождению, и начал работать в более изощрённой манере. Для Маньеризма характерны удлинённость фигур, напряжённость поз (контрапост), необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, и яркие цвета.[5]
Готический стиль - это художественный стиль, явившийся завершающим этапом в развитии средних веков искусства стран Западной, Центральной и частично Восточной Европы. Термин "Готика" введен в эпоху Возрождения как уничижительное обозначение всего средневекового искусства, считавшегося "варварским". Готика в основе сосредоточена на религиозной теме. Готика прослеживается в скульптуре, живописи, архитектуре, литературе. Великолепны здания, сделанные в этом стиле, они высоки, нарядны, зрелищно декорированы. В данной теме работали Вазари, Рафаэль, Шпенглер и другие. О. Шпенглер отмечал что "готический стиль растворяет материальность в пространстве".[3]
Целью работы является раскрытие особенностей готики и маньеризма в пространственных видах искусства, развитие этих двух стилей.
Работа поделена на несколько задач:
- возникновение готического стиля в искусстве
- готика в пространственных видах искусства
- маньеризм в пространственных видах искусства
Теоретическая основа - работы по теории искусства:
По готической культуре и искусству: Муратова К.М., Булдакова В. Л., Беляева Е. Л., Анна Эрши, Алпатов М.В., Н.Н.Ростовцев.
По искусству маньеризма: Л.И. Тананаева, Булдакова В. Л., Беляева Е. Л., Алпатов М.В., Н.Н.Ростовцев.
Реферат состоит из 20 листов, включает введение, 2 главы, 4 параграфа, заключение, список литературы (6 источников).
1. Исторические основы готики и маньеризма
1.1 Возникновение готического стиля в искусстве
Готический стиль - (франц. gothique, нем. gotisch, итал. gotico от лат. gothi, ср.-лат. gotthus, греч. gothos из др.-верхн.-нем. gaut - исток, часть слова, входящая в название реки Gautelfr, отсюда этноним) - исторический художественный стиль, господствовавший в западноевропейском искусстве в XIII-XV вв. Готами древние римляне называли варварские племена, вторгавшиеся с севера в пределы империи в III-V вв. Термин появился в эпоху Итальянского Возрождения как насмешливое прозвание "варварской", примитивной, уходящей в прошлое средневековой культуры. Вначале (ок. 1476 г.) его применяли к литературе - для обозначения неправильной, искаженной латыни. Средневековую архитектуру тогда называли общим словом "tedesca" (итал. "немецкая"). Есть предположение, что слово "готика" впервые употребил Рафаэль, знаменитый художник эпохи Возрождения, в докладе Папе римскому Льву X (1513-1521) о ходе строительства собора Св. Петра (ок. 1520; см. Ватикан) в качестве синонима "варварской архитектуры", противопоставляя ее "римской".
Готический стиль характеризует заключительную стадию развития средневекового искусства Западной Европы. Христианская культура Запада вступила в период интенсивного развития позднее, чем восточная культура Византии; ее формирование было затруднено столкновением разных этнических и религиозных традиций, разнообразием ландшафта и сложностью природных условий, миграцией народов. Но затем те же факторы стали причиной эффективного обмена идей, откровений и художественных открытий. Искусство Византии, напротив, стесненное догмами и канонами, оказывалось архаичным, и его значение отступало перед достижениями Запада.[1]
Основным стимулом формирования искусства Готики стало уникальное соединение христианского мировоззрения, традиций античной культуры, прежде всего архитектуры Рима, латинской письменности, книжной миниатюры, романо-кельтских художественных ремесел. Развитию нового стиля способствовал стремительный рост европейских городов и торговли. Средоточием духовной жизни стал городской собор. Дополнительным импульсом развития архитектуры явилась необходимость собрать в одном месте на воскресную мессу все население растущего города. Старые романские храмы были для этого слишком тесны. Важно и то, что новый стиль быстрее развивался там, где укреплялась духовная и светская, королевская власть, концентрировались материальные средства в руках могущественных заказчиков. Поэтому закономерно, что начало истории готического стиля документально зафиксировано в провинции Иль-де- Франс, маленьком "островке" на севере Франции с центром в г. Париже. В 1136-1140 гг. под руководством аббата Сугерия (Сюжера; франц. Suger, 1088-1151) были возведены два пролета главного нефа церкви аббатства Сен-Дени к северу от Парижа. Одновременно (ок. 1133 г.) новую конструкцию свода применяют в соборе г. Дарема в Англии. Аббат Сугерий был одним из самых образованных людей своего времени. Теолог, историк, советник, в 1147 г. - регент французского короля Людовика VII, помимо философских сочинений, он написал трактат по эстетике христианской архитектуры, в котором обосновал символическое значение многих элементов архитектурной композиции, в том числе витражей и стрельчатой арки.
Строительство аббатства Сен-Дени в XIII в. продолжал Пьер де Монт-рёй (он же в 1265-1267 гг. работал в соборе Нотр-Дам в Париже). Амбулаторий, неф и трансепт церкви Сен-Дени представляют собой ранний памятник архитектуры готического стиля. В книге "Готическая архитектура и схоластика" Э. Панофский утверждал, что "новый стиль строительства" (лат. opus franci-genum - "франкское творение"), сотворенный, по словам Сюжера, "многими мастерами разных народов" и вскоре действительно развившийся в истинно интернациональный стиль, распространялся "из района, который умещался в радиусе менее чем в сто миль с центром в Париже".[4]
Факт рождения готического стиля можно считать кульминацией романского и вместе с тем - его преодолением. Долгое время элементы того и другого стиля сосуществовали, а переходное время XII в. носило "возрожденческий характер".
Парадоксальной особенностью готического стиля, совершенные формы которого демонстрируют иррационализм, дематериализацию и наивысшую, мистическую экспрессию, является то, что поводом (но не причиной) его возникновения послужили технические достижения - рациональное совершенствование строительной конструкции. На Востоке, в Византии, где впервые сложился тип христианского храма, более устойчивой формой оказались центрические, крестово-купольные постройки. На Западе со временем преобладающими стали удлиненные базилики с планом в форме латинского креста. Романские базилики оказались удобны для проведения службы, поскольку внимание входящих, их продвижение вдоль нефа - главного продольного помещения храма (показательно значение франц. слова nef от лат. navis - "корабль"), - естественным образом обращалось к алтарю.[1]
Удалось выявить, что готический стиль вобрал в себя все достижения средневекового искусства, создав особенный образ, но, в то же время он отражает в себе достижения и более ранних стилей в этом и заключается его уникальность. В своей основе готический стиль держит христианские мировоззрения, и эта религиозная основа не покинет готику и в дальнейшем. Эпоха Возрождения явилась своеобразным толчком для существования готического стиля, как переломный момент в искусстве.
Маньеризм (от итальянского maniera, манера) -- западноевропейский литературно-художественный стиль XVI -- первой трети XVII века. Характеризуется утратой ренессансной гармонии между телесным и духовным, природой и человеком. Маньеризм появился в Италии, где важнейшими очагами развития стиля стали Флоренция, Мантуя и Рим, а затем получил распространение во Франции и других европейских странах. Стиль был отчасти порожден кризисными явлениями в общественно-политической сфере, характерными для позднего Возрождения с его социальной, моральной и религиозной неустойчивостью; иногда начальную фазу маньеризма связывают с разграблением Рима в 1527 году. Самое же главное, маньеризм в броской форме отразил существенную, подобную взрыву трансформацию искусства и литературы от средних веков к Новому времени.
Маньеризм представляет собой стиль в искусстве, который был основан на усвоении манеры того или иного великого мастера изобразительного искусства или той или иной художественной школы. Содержание эпохи маньеризма великолепным образом отражает переход от средневековья к совершенно новому времени, где старое и новое переплетаются и создают особое сочетание.
Для такого стиля в искусстве, как маньеризм, особенно характерны достаточно обозначенный субъективизм при восприятии тех или иных образов или явлений и особо ярко выраженное пристрастие к каким-либо театральным эффектам. Художники-маньеристы большое значение в своих картинах уделяют линии, утонченным и удлиненным пропорциям фигур, аффективным жестам и ярким контрастным тонам, что позволяет лучше выразить сложные душевные состояния.
Особый вклад в развитие данного направления в изобразительном искусстве внес Рафаэль, который отказался в свое время от проявления в картинах довольно ясных и уравновешенных средств выражения, которые были свойственны в свое время эпохе Высокого Возрождения. Кроме удлиненности фигур в картинах Рафаэля вы сможете обозначить некоторую напряженность поз, достаточно яркие цвета и необычные эффекты, которые связаны с нестандартными причудливыми формами, с особым освещением, перспективой и нехарактерными размерами. В Италии направление маньеризма проявилось в творчестве таких художников, как А. Бронзино, Понтормо, Дж. Вазари, Дж. Романо, Б. Челлини и других. Многие произведения маньеризма наполнены аллегорическими образами, причудливыми позами с изысканной плавностью и элегантностью форм.
Если рассматривать маньеризм в общем смысле, то можно обозначить, что в данном случае показывается превалирование формы над содержанием. Основной причиной возникновения маньеризма можно считать исчерпанность ренессансных идей, когда художники, демонстрируя свое мастерство, прибегали к различным внешним эффектам, виртуозной технике и оригинальности манеры исполнения. Маньеризм стал великолепным толчком развития в сторону экспрессивности, живописности и динамичности формы.
В эволюции маньеризма можно проследить два основных этапа. Первый из них охватывает 20--30-е гг. 16 в. и включает в себя творчество ряда живописцев (в меньшей степени -- скульпторов и архитекторов) римско-тосканского и эмилианского круга. Уже в эти годы маньеризм определяется как направление, противостоящее передовым, основанным на ренессансных традициях устремлениям итальянского искусства. Микеланджело, ряд мастеров Венеции и террафермы решают в обстановке все сгущающейся феодальной реакции новые проблемы, которые ставила перед ними действительность, тему трагической сложности взаимоотношений личности и мира, с гуманистических ренессансных позиций. Сохраняя веру в значительность человека, они развивают и обогащают принципы ренессансного реализма, воплощая в образной форме наиболее актуальные идеи своего времени.
Но одновременно в центрах, наиболее сильно захваченных экономическим и политическим кризисом, -- Флоренции, Риме, Парме и др. -- выступает поколение художников, воспринимающих этот кризис как полное крушение всех устоев бытия, представлений о мире и человеке и бессильных обрести в действительности новые положительные идеалы, ибо, по существу, это поколение выражает смятение и растерянность той части итальянского общества, которая стояла в стороне от наиболее передовых устремлений жизни и культуры страны. Поэтому у большинства ранних маньеристов ощущение разлада с окружающей действительностью перерастает в разочарование в действительности и ренессансных идеалах, в стремлении отгородиться от реального мира, от его противоречий. Это приводит маньеристов к утрате больших положительных идейных ценностей, потере веры в человека, обусловливает узость их эстетических позиций и идеалов, нарочито противопоставленных действительности и ее законам, приобретающих сугубо отвлеченный и формальный характер.
Образ человека в искусстве маньеристов не только теряет героическую значительность, наполняется ощущением смятения, тревоги, но и, постепенно подчиняясь условному, сугубо аристократическому идеалу, утрачивает содержательность и самостоятельное значение.[1]
Удалось выявить, что маньеризм стал началом нового времени в искусстве. Общественно-политический кризис позднего Возрождения породил разлад старого искусства, но послужил его обновлению. Маньеризм определяется мастерством художников, своеобразными способами его проявления. Стираются старые идеалы и творцы изображают мир тревожными, эмоциональными образами, которые отличаются от старого динамичностью и экспрессивностью форм.
2. Готика и маньеризм в пространственн ых вид ах искусства
готика маньеризм искусство культура
2.1 Маньеризм в пространственных видах искусства
Живопись. К живописцам маньеризма относят Франческо Пармиджанино, Якопо Понтормо, Джованни Баттиста Нальдини, Джорджо Вазари, Джулио Романо, Джузеппе Арчимбольдо, Бронзино, Россо Фьорентино, Франческо Сальвиати, Доменико Беккафуми, Алессандро Аллори, Артемизию и Орацио Джентилески и т. д. Отчасти этот стиль прослеживается также у Рафаэля и Микеланджело, у художников венецианской школы -- Тинторетто и Тициана. За пределами Италии маньеризм представлен школой Фонтенбло во Франции, рядом нидерландских художников XVI века (многие из них восприняли идеи маньеризма, побывав в Италии) и Эль Греко в Испании. Маньеризм интенсивно развивался в Праге, при дворе императора Рудольфа II (Б. Шпрангер, Ханс фон Аахен и др.).
Мастера Маньеризма культивировали представления о неустойчивости мира, шаткости человеческой судьбы, находящейся во власти иррациональных сил, стремились не столько следовать природе, сколько выражать "внутреннюю идею" образа, рожденного в душе художника. Для итальянского Маньеризма 1520-х гг. (живопись Понтормо, Пармиджанино, Джулио Романо) характерны драматическая острота образов, преувеличенная экспрессия поз и движений, удлиненность пропорций фигур, колористические и световые диссонансы, виртуозная нервная линеарность рисунка. В элитарном, ориентирующемся на знатока искусстве маньеризма возродились и отдельные черты средневековой, придворно-рыцарской культуры. В маньеристическом портрете (Бронзино и др.), открывающем новые пути в развитии этого жанра, аристократическая замкнутость персонажей сочетается с обострением субъективно-эмоционального отношения художника к модели.[2]
Скульптура. В ваянии представителями маньеризма были Бартоломео Амманнати и Джамболонья, в искусстве которого, оказавшем огромное влияние на его современников, сочетаются причудливость поз с изысканной плавностью и элегантностью форм. К ведущим скульпторам-маньеристам относят Бенвенуто Челлини.
В скульптуре первым маньеристом считается Джамболонья. Он был родом из габсбургской Фландрии, учился живописи в Антверпене, потом переехал в Италию и изучал в Риме античную скульптуру. Джамболонья находился под сильным влиянием Микеланджело, однако создал свой собственный художественный стиль маньеристского направления, отличающийся изящными поверхностями, холодной элегантностью и красотой.
В итальянской скульптуре, главным представителем которой в конце 16в. был Б. Челлини. Его произведения при всей их кажущейся классичности отличаются вниманием ко всем деталям без учета их отношения к целому, чего не было у его великих предшественников Донателло, Микеланджело. Еще одной чертой маньеризма в изобразительном искусстве является особое пристрастие художника к тщательной, ювелирной обработке поверхности, увеличение материалом в большей степени, чем тем, что он должен выразить. Не случайно Челлини после отливки своих скульптур из бронзы тщательно полировал их поверхность, украшая ее чеканкой и гравировкой. Занимаясь много ювелирным искусством, он и к скульптуре подходил как к ювелирному изделию.[2]
Архитектура. Маньеризм в архитектуре выражает себя в нарушениях ренессансной сбалансированности; использовании архитектонически не мотивированных, вызывающих у зрителя ощущение беспокойства структурных решений, элементов гротеска. К наиболее значительным достижениям архитектуры маньеризма относятся Палаццо дель Те в Мантуе (работа Джулио Романо) и Библиотека Лауренциана во Флоренции, спроектированная Микеланджело. В маньеристском духе выдержана фланкирующая здание Галереи Уффици во Флоренции лоджия Джорджо Вазари.
В архитектуре Италии второй половины 16в. Маньеризм проявился в произвольном смешении и алогичном использовании элементов различных ордеров, романских и готических архаизмов. При этом зодчие стремились добиться пластической выразительности (Б. Перуцци). Великолепный декор Дворца дожей (плафон зала X) и Золотой лестницы выполнен в духе маньеризма -- орнаменты сочетают римско-мантуанские черты. Разрушение строгой, логичной связи элементов ордера, присущей классической системе, можно было бы назвать эклектичным и нехудожественным, если бы не новые, пусть и алогичные, композиционные принципы, которые заключались, прежде всего, в смене тектонического формообразования пластическим. Именно это, вероятно, имел в виду Дж. Вазари, когда писал о постройках Б. Перуцци, что они "не сложены, а словно выросли". Особое течение в искусстве архитектурного маньеризма представляют стилизации под причудливые естественные образования: пещеры, гроты, обросшие мхом стены, скульптура, "вырастающая" из земли. Статуя-гора "Апеннины" на вилле Демидова близ Флоренции занимает переходное положение между естественной средой и искусственным сооружением. Такое неустойчивое равновесие характерно для эстетики Маньеризма.[2]
Прикладное искусство. Типичным образцом маньеризма в прикладном искусстве является знаменитая золотая солонка Франциска I (1540--1543; Вена, Музей), где дробность форм круглого постамента, несущего солонку в виде кораблика и перечницу в виде храмика, иллюзорность покрытых яркими смальтами изображений животных моря и суши, рыб, цветов подчеркивают холодно-утонченную красоту и некоторую отвлеченность золотых статуэток Земли и Нептуна, преувеличенную легкость их пропорций, изысканность силуэтов.[3]
Удалось выявить, что маньеризм в пространственных видах искусства это совсем новый взгляд на художественное искусство. Отказ от классической системы и создание алогичных, нехарактерных образов. Пластичность, экспрессивность, эмоциональность в полной мере присутствует в маньеризме. Так же, маньеристы значительно вкладывали в свое искусство мысль неустойчивости мира и, чтобы это можно было почувствовать, они выражали в своих творениях тревожность, беспокойство, но, также красоту, изящность.
2.2 Готика в пространственных видах искусства
Живопись. Одним из основных направлений готической живописи стал витраж, который постепенно вытеснил фресковую живопись. Техника витража осталась такой же, как и в предыдущую эпоху, но цветовая палитра стала гораздо богаче и красочней, а сюжеты сложнее -- наряду с изображениями религиозных сюжетов появились витражи на бытовые темы. Кроме того в витражах стали использовать не только цветное, но и бесцветное стекло.
На период готики пришёлся расцвет книжной миниатюры. С появлением светской литературы (рыцарские романы и пр.) расширился круг иллюстрированных рукописей, также создавались богато иллюстрированные часословы и псалтыри для домашнего употребления. Художники стали стремиться к более достоверному и детальному воспроизведению натуры. Яркими представителями готической книжной миниатюры являются братья Лимбурги, придворные миниатюристы герцога де Берри, создавшие знаменитый "Великолепный часослов герцога Беррийского" (около 1411--1416).
Развивается жанр портрета -- вместо условно-отвлечённого изображения модели художник создаёт образ, наделённый индивидуальными, присущими конкретному человеку чертами.
Завершается почти тысячелетнее господство византийских канонов в изобразительном искусстве. Джотто в цикле фресок Капеллы Скровеньи изображает людей в профиль, помещает на первом плане фигуры спиной к зрителю, нарушая табу византийской живописи на любой ракурс кроме фронтального. Он заставляет своих героев жестикулировать, создаёт пространство, в котором движется человек. Новаторство Джотто проявляется и в его обращении к человеческим эмоциям.
С последней четверти XIV века в изобразительном искусстве Европы господствует стиль, названный позднее интернациональной готикой. Этот период явился переходным к живописи Проторенессанса.[6]
Скульптура. Скульптура играла огромную роль в создании образа готического собора. Во Франции она оформляла в основном его наружные стены. Десятки тысяч скульптур, от цоколя до пинаклей, населяют собор зрелой готики.
С готическим зодчеством неразрывно связано развитие пластики. Скульптуре принадлежало первое место в изобразительном искусстве этого времени. Она усиливала эмоциональность и зрелищность готической архитектуры, в ней наиболее очевидно проявлялось стремление к чувственно-поэтическому, изобразительному воплощению не только религиозных представлений времени, но и наивно обоготворенной человеком природы и его самого как ее совершенного порождения. Особенно богато украшался готический собор, который Виктор Гюго образно сравнивал с гигантской книгой. Главное место в его внешнем и внутреннем декоративном убранстве принадлежало статуе и рельефу. Композиционный и идейный замысел скульптурного декора был подчинен разработанной теологами программе. В храме, олицетворяющем, как и прежде, образ вселенной, теперь наиболее развернуто в зримых чувственных формах представлялась религиозная история человечества с ее возвышенными и низменными сторонами, с ее жизненной многосложностью. Тысячи статуй и рельефов выполнялись в мастерских при соборах.
Готическая скульптура -- органическая часть архитектуры собора. Она включается в архитектурную конструкцию, входит в состав функциональных элементов постройки. В Реймском соборе она даже определяет его внешний облик. Взаимодействие архитектуры со скульптурой и живописью порождало то неповторимое разнообразие впечатлений, которым готика обогащала современников. Статуи сохраняют теснейшую связь со стеной, с опорой. Фигуры удлиненных пропорций как бы вторят вертикальным членениям архитектуры, подчиняясь динамическому ритму целого, образуя единый архитектурно-скульптурный ансамбль. Размеры их находились в точном соотношении с архитектурными формами, зависели от установленного религиозными канонами месторасположения.
Скульптура Поздней готики испытала большое влияние итальянского искусства. Примерно в 1400 г. Клаус Слутер создал ряд значительных скульптурных работ для Филиппа Бургундского, такие как Мадонна фасада церкви погребения Филиппа, Kartause в Champmol около Дижона, стены Figurationen 1385 или фигуры фонтана Мозе (1395--1404). В Германии хорошо известны работы Тильмана Рименшнайдера (Tilman Riemenschneider), Вита Ствоша (Veit Stvosh) и Адама Крафта (Adam Kraft).[2]
Архитектура. Готический стиль, в основном, проявился в архитектуре храмов, соборов, церквей, монастырей. Развивался на основе романской, точнее говоря -- бургундской архитектуры. В отличие от романского стиля, с его круглыми арками, массивными стенами и маленькими окнами, для готики характерны арки с заострённым верхом, узкие и высокие башни и колонны, богато украшенный фасад с резными деталями (вимперги, тимпаны, архивольты) и многоцветные витражные стрельчатые окна. Все элементы стиля подчёркивают вертикаль.
В готической архитектуре выделяют 3 этапа развития: ранний, зрелый (высокая готика) и поздний (пламенеющая готика).
Церковь монастыря Сен-Дени, созданная по проекту аббата Сугерия, считается первым готическим архитектурным сооружением. При её постройке были убраны многие опоры и внутренние стены, и церковь приобрела более грациозный облик по сравнению с романскими "крепостями Бога". В качестве образца в большинстве случаев принимали капеллу Сент-Шапель в Париже.
Из Иль-де-Франс (Франция) готический архитектурный стиль распространился в Западную, Среднюю и Южную Европу -- в Германию, Англию и т. д. В Италии он господствовал недолго и, как "варварский стиль", быстро уступил место Ренессансу; а поскольку он пришёл сюда из Германии, то до сих пор называется "stile tedesco" -- немецкий стиль.
С приходом в начале XVI века Ренессанса севернее и западнее Альп, готический стиль утратил своё значение.
Почти вся архитектура готических соборов обусловлена одним главным изобретением того времени -- новой каркасной конструкцией, что и делает эти соборы легко узнаваемыми.[2]
Декоративно-прикладное искусство. Эпоха позднего Средневековья характеризуется расцветом городской культуры, развитием торговли, ремёсел. С середины XIII века начинается строительство зданий светского назначения -- городских ратуш, рынков, цеховых домов, а также роскошных замков знати. Все элементы экстерьера и интерьера сооружений подчинялись готической архитектурной форме. Одним из крупнейших европейских замков эпохи является Авиньонский папский дворец (1334--1364). Как и другие интерьеры Средневековья, убранство Папского дворца сохранилось лишь частично. Примечательны "шпалерные" росписи стен, изображающие сцены охоты и рыбной ловли, выполненные под руководством Маттео Джованетти.
Пришедшее через мусульманский Восток художественное ткачество получило вначале развитие в Скандинавии и Германии. Здесь шпалера не только украшала интерьер, но и выполняла функции защиты от сквозняков, утепления помещения. С конца XIV века производство шпалер в Европе стало важнейшей отраслью художественного ремесла. Возникают крупные мануфактуры в Париже, позднее в Аррасе. Одним из выдающихся произведений позднего Средневековья, сравнимым с лучшими образцами фресковой живописи, является серия шпалер на сюжеты Апокалипсиса, так называемый Анжерский апокалипсис (1370--1375), созданная по заказу Людовика I Анжуйского. Подготовительные рисунки были выполнены миниатюристом Эннекеном из Брюгге. Образцом послужили миниатюры X века из "Комментария к Апокалипсису" Беатуса из Льебаны. Работу выполнили парижские мастера под руководством ткача Карла V Никола Батая. Шпалеры сохраняют плоскостное изображение, подчёркнутую двухмерность пространства миниатюр "Комментария". Тема противоборства человека и сил зла по сравнению с первоисточником решена в более мажорном ключе, с ярко выраженной фольклорной основой.[3]
Удалось выявить, что готика в пространственных видах искусства приобрела красочный и более реалистичный характер. Выражается вертикальный стиль искусства. Архитектура, живопись, скульптура выступают в ансамблевом построении больше в религиозных зданиях, создавая натуральный пластичный эмоциональный образ искусства готики.
На основе данного материала и проведенного анализа удалось выявить общие особенности развития готического стиля и маньеризма в пространственном виде искусства. Два этих стиля появились в самом конце средневековья и стали популярными из за необычной и уникальной манере создания.
Эпоха возрождения была богата новыми идеями и в связи с осознанием людей своей роли и места в жизни менялось и искусство. Как известно церковь средневековье играло очень важную роль в жизни каждого человека и, конечно же, религия отразилась в искусстве. Готический стиль сохранил в себе религиозную мысль. Готические храмы выражали в себе всю сущность готики: преобладание вертикали делали храм более изящным и величественным, витражная живопись стала более красочная, структурно- сложная.
Готика, как и маньеризм, зародилась в западноевропейском искусстве, поэтому можно сказать о том, что эти два направления взаимопроникали в друг друга. Духовность, направленность высокой мысли, некоторая мистичность сближает готику и маньеризм.
В свою очередь маньеризм считается искусством нового времени, когда пришло время забыть о классической системе. Маньеристы воплощали в своем искусстве то, что чувствовали душой, то чего так не хватало и хотелось видеть в жизни. От сюда и экспрессивность, когда в свое творчество маньерист вкладывал свою душу и мысли.
Готика и маньеризм стали переходным этапом от старого искусства к новому, предоставили возможность для создания новых непохожих на старых стилей художественного искусства.
1. Алпатов М. В. Всеобщая история искусств, Т.2, М., "Искусство", 1960г.
2. Алпатов М. В., Н. Н.Ростовцев Искусство: Живопись, скульптура, архитектура, графика. Часть 1: Древний мир, средние века, эпоха Возрождения.
3. Булдакова В. Л., Беляева Е. Л. "Популярная художественная энциклопедия: архитектура, живопись, скульптура, графика, декоративное искусство".
4. Муратова К.М., Мастера французской готики 12-13вв, М,."Искусство", 1988г.
5. Тананаева Л. И. Некоторые конц
Пространственные виды искусства: маньеризм и готика реферат. Культура и искусство.
Маленькие Рассказы Для Декабрьского Сочинения 2022
Методология Диссертация
Курсовая работа по теме Денежно-кредитная политика и ее значение в национальной экономике
Контрольная работа: Обработка многократных измерений. Скачать бесплатно и без регистрации
Методы Исследования В Курсовой По Лингвистике
Итоговые Контрольные Работы 3 Класс Моро
Курсовая Работа На Тему Инфляция В Республике Казахстан
Реферат по теме Эндемические заболевания, связанные с водой, гельминтные заболевания, передающиеся через воду
Контрольная Работа На Тему Методы Факторного Анализа
Реферат: Стрелковое Оружие. Скачать бесплатно и без регистрации
Итоговая Аттестационная Работа По Русскому Языку
Контрольная работа по теме Расчет металлической полурамы
Контрольная Работа На Тему Мировой Рынок Товаров И Услуг
Реферат: Великая тайна воды
Контрольная работа: Понятие государственной должности
Урок - основная форма организации процесса обучения: типология и структура уроков физической культуры, единство образовательной, воспитательной оздоровительной направленности системы уроков
Реферат: Реорганизация юридических лиц. Скачать бесплатно и без регистрации
Школьное Сочинение Как Я Провел Лето
Курсовая работа: Применение схем-конспектов на уроках химии
Реферат На Тему Организация Воинского Учета
Криминологическая характеристика преступности иностранцев - Государство и право курсовая работа
Предварительное расследование - Государство и право отчет по практике
Основы информационного права - Государство и право дипломная работа