Plan nique avec une sulfureuse espagnole

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Plan nique avec une sulfureuse espagnole
Retour sur les 26 œuvres d’art les plus scandaleuses de l’histoire. « Les choses de l’art sont les miroirs dans lesquels chacun voit ce qui lui ressemble » disait Constantin Brancusi. À méditer.
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En 2019, lors de la foire Art Basel à Miami, l’artiste Maurizio Cattelan et son galeriste Emmanuel Perrotin ont fait trembler le monde de l'art avec une simple banane. En effet, l'œuvre d'art Comedian de Cattelan est une banane collée sur le mur blanc du stand de la galerie grâce à un scotch gris. Audacieux. À tel point que l'image a fait le tour du Web, traversant ainsi la sphère artistique. La banane dispose même d'un compte Instagram suivi par plus de 18 000 abonnés. Mais ce qui scandalise le plus, c'est la somme à laquelle l'œuvre a été vendue : pas mois de 120 000 dollars. L'acheteuse serait une collectionneuse française, co-fondatrice du concept store colette. Il n’en fallait pas plus pour que les critiques s’insurgent contre l’aberration que peut parfois être marché de l’art.Malgré tout, la banane a continué à attirer les visiteurs pendant la foire étatsunienne. Surtout le jour où l'artiste contemporain, David Datuna, admirateur de Cattelan, s'est approché de l'œuvre pour la déguster alors même qu'elle venait d'être vendue. Tout ça devant la multitude de smartphones braqués sur sa performance. Bien heureusement, l'humour fait aussi parti du travail de l'Italien Maurizio Cattelan. La preuve : il est à l'origine d'America, des toilettes recouvertes d’or 18 carats, ou encore de la Nona Ora, qui représente le pape Jean Paul II écrasé par une météorite (à retrouver plus bas dans cet article). Comedian a rapidement été remplacée par une nouvelle banane et un ruban adhésif neuf. Il existe au moins cinq autres exemplaires de l’œuvre. Le troisième est estimé à 150 000 dollars.
Nombreux sont les scandales qui ont façonné la renommée mondiale de Jeff Koons. Le dernier en date porte le nom de Bouquet of Tulips, un cadeau offert par l'artiste à la maire de Paris, Anne Hidalgo, suite aux attentats du 13-Novembre. L'œuvre est présentée en 2016, puis installée trois ans plus tard. Elle représente une main tendue qui tient fermement un bouquet de ballons multicolores, marque de fabrique de l'artiste contemporain. Seulement, les treize mètres de haut et trente-quatre tonnes de Bouquet of Tulips ne font pas l'unanimité. La preuve, en 2018, 23 personnalités du monde de la culture, parmi lesquels Frédéric Mitterrand, ancien ministre de la Culture, ont signé une tribune publiée dans Libération pour s'opposer à la mise en place de cette œuvre sur les terres de la capitale française.L'objet de la polémique est multiple. D'abord, le coût exorbitant de la construction estimé 3,5 millions d'euros et supporté à hauteur de 66 % par l’État. Puis, son esthétisme, jugé opportuniste car sans réelle valeur commémorative des victimes des attentats. Ce à quoi Jeff Koons avait répondu : « Je voulais faire un geste de soutien et d’amitié entre les peuples américain et français ». Enfin, son emplacement : Bouquet of Tulips devait initialement être exposé entre le musée d’Art moderne et le Palais de Tokyo mais la construction a finalement été reléguée dans les jardins des Champs-Elysées près du Petit Palais. D'autant plus qu'habituellement, les œuvres destinées à s'inscrire dans l'espace public sont soumises à un vote à la suite d'un appel à projet. Ce qui, néanmoins, n'empêche pas les controverses, comme cela a été le cas pour les colonnes de Buren ou la pyramide du Louvre. Jeff Koons, artiste vivant le plus bankable du monde (son Rabbit de 1986 s'est vendu à plus de 91 millions de dollars, soit la vente la plus chère de l’Histoire pour un artiste vivant) continue d'être souvent perçu comme un businessman plutôt qu'un artiste.
Cette immense structure habitable de blocs métalliques rouges n'a pas fait l'unanimité. Pour l'exposition « Hors les murs » au jardin des Tuileries par le musée du Louvre dans le cadre de la 44e édition de la FIAC, l'Atelier Van Lieshout a soumis à candidature son Domestikator qui s'est vu refuser l'entrée. La cause ? L'institution ne souhaitait pas bousculer les mœurs de son public en leur présentant une scènes sexuelle. Car, oui, si on prête attention à l'architecture de Domestikator, on peut y voir un couple en position de levrette façon Lego. « Des légendes sur l'Internet circulent et attribuent à cette œuvre une vision trop brutale qui risque d'être mal perçue par le public traditionnel du jardin des Tuileries », s'était alors défendu le musée en 2017. Cependant, en Allemagne, l'œuvre du Néerlandais Joep Van Lieshout avait très bien été accueillie. Peut-être la proximité géographique des deux pays européens aide à la meilleure compréhension du message véhiculé par Domestikator, à savoir le symbole du rapport entre l'humain et la technologie. En France, l'œuvre a été sauvée par le Centre Pompidou devant lequel elle avait été installée en octobre 2017.
Sur un mur de la ville de Clacton-on-Sea, dans le sud-est de l’Angleterre, est apparu à l'automne 2014 un graffiti de Banksy . Les passant peuvent y voir cinq oiseaux à gauche et un seul à droite, tous perchés sur le même fil électrique. Seulement, celui de droite est rejeté par le groupe de gauche qui brandit des pancartes sur lesquelles est inscrit « Les migrants ne sont pas bienvenus », « Retourne en Afrique », « Laissez-nous nos vers de terre ». Choqués par ces mots virulents, les habitants de la ville ont rapidement signalé aux autorités municipales leur caractère offensant et raciste. La mairie de la station balnéaire Clacton-on-Sea a fait détruire l'œuvre murale, ignorant que l'auteur était en fait Banksy. Et que, si l'on en croit les travaux précédents de celui-ci, le graffiti devait en réalité être une critique des discours xénophobes et anti-immigration du gouvernement britannique. D'ailleurs, on remarque un contraste entre les pigeons au plumage sombre menaçant, et le joli oiseau vert. La difference entre la texture du mur des deux côtés est également notable. Malheureusement, le maire de la ville s'est rendu compte du subtil aspect satirique de l'œuvre trop tard.
Un petit garçon nu au bord du Grand Canal, il n'en fallait pas plus pour scandaliser les Vénitiens. Installée face au musée d'art Punta della Dogana (Pointe de la Douane), occupé par la Fondation François Pinault , la sculpture en acier blanc de l'américain Charles Ray a été retirée à la demande des habitants de la ville. Les passants préféraient admirer un réverbère en fonte du XIXe siècle (anciennement installé à cet endroit) plutôt qu'un garçon de deux mètres cinquante en habit d'Adam tenant une grenouille dans sa main droite. Francesco Bonami, conservateur de musée italien, s’est fermement opposé à cette décision, en vain. Au-delà de la nudité, certains voyaient de la cruauté chez l'enfant qui tient la patte d'une grenouille tentant de s'échapper de son poing serré. D'autant plus que, à l'image des statues antiques, le Boy with a frog est dénué de globes oculaires.
L'obsession d'Allen Jones, ce sont les longues jambes féminines perchées sur des talons hauts. L'érotisme conduit le travail de l'artiste depuis bien longtemps. Ce dernier entre au Royal College of Art de Londres en 1959, la même année que David Hockney et Ron Kitaj. Une génération à l'origine du pop art anglais, loin de l’expressionnisme abstrait. Quelques années plus tard, il peint First Step qui représente une paire de jambes infinies et des escarpins à la cambrure vertigineuse. Traduit Premier Pas en français, cette œuvre aura-t-elle été une prédiction de la part de l'artiste ? Car, à l'aube des années 70, Allen Jones matérialise son obsession en réalisant la série de sculptures Chaise, Table et Porte manteau.Des meubles anthropomorphiques de femmes à l’érotisme pour le moins provocants, métaphore de la société de consommation de l'époque. L'exposition ne remporte pas l'admiration de tous les critiques et visiteurs, puisque certains pointent du doigt le côté misogyne de ces femmes réduites à l'état d'objets domestiques. Son inspiration, Allen Jones la tire notamment du monde sadomasochiste. « Le fétichisme et le monde transgressif ont produit des images que j’aimais parce qu’elles étaient dangereuses », affirme-t-il. Un goût pour la transgression qui n'a pas empêché Allen Jonesde devenir membre de la Royal Academy, ni d'inspirer d'autres artistes. Notamment les sculptures du Korova Milkbar dans le film Orange mécanique de Stanley Kubrick en 1971. Puis en 2015, année où le photographe Steven Klein a shooté Kylie Jenner pour le magazine Interview dans une esthétique très proche de l'œuvre d'Allen Jones.
Un sexe vadrouilleur qui s’échappe d’un costume trois pièces des plus élégants, le tout en noir et blanc, c’est la signature d’un grand photographe : celui du corps humain érotisé et sublimé, Robert Mapplethorpe. Ce Man in Polyester Suit, qui n’est autre que son amant du moment, Milton Moore, s’est vendu 500 000 dollars chez Sotheby’s en octobre 2014 alors qu’il avait été diabolisé soudainement - et jamais auparavant de son vivant - dans les années 1990. Au même moment, l’artiste luttait contre la maladie du sida. Députés et sénateurs conservateurs pointaient du doigt cet exemple d’« art dégénéré » qui ne devait alors en aucun cas s’afficher dans des lieux bénéficiant de subventions publiques - ici, l’exposition The Perfect Moment à Philadelphie. Une véritable chasse aux sorcières s’engagea contre les musées qui oseraient exposer le photographe : un directeur fut même traîné en justice pour obscénité. Le Grand Palais à Paris, qui organisait une rétrospective en 2014, allait encore jusqu’à interdire aux mineurs une anthologie des images sadomasochistes de l’artiste. Et pourtant, ce dernier expliquait vouloir esthétiser ce qui ne l’avait jamais été, en puisant ses références dans la sculpture classique, recherchant « en permanence la perfection dans les formes » pour tous les sujets qu’il mettait sur le même plan : « Je le fais avec les portraits. Je le fais avec les bites. Je le fais avec les fleurs ».
Jolie tribune que celle d’être exposée au « Salon des refusés ». Déjà, l’œuvre du jeune peintre Edouard Manet (30 ans) se piquait de scandale - et de modernité - en étant instantanément écartée de la sélection du jury de l’Académie des Beaux-Arts. Et pourtant, l’inspiration se voulait dans la lignée de grands maîtres du genre : Le Concert Champêtre de Titien représentant la Poésie en deux allégories féminines peu vêtues donc, et Le jugement de Pâris de Raphaël pour la disposition conviviale en « carré ». Le Paris de la seconde moitié du XIXème siècle cria au scandale , se sentant probablement pris au piège par le regard direct et (volontairement ?) frondeur de cette femme intégralement nue à l’avant du tableau, installée entre deux hommes bien habillés, eux. La raison ? « Ni Diane ni Vénus », cette femme à la nudité non conventionnelle, car non allégorique, flattait le trouble sensuel là où elle aurait dû titiller la contemplation esthétique… Emile Zola, de sa plume façonnée pour les causes quasi-désespérées, s’exclamera en faveur de l’avancée artistique : « La foule s'est bien gardée de juger Le Déjeuner sur l'herbe comme doit être jugée une véritable œuvre d'art. (…)Ainsi, assurément, la femme nue n’est là que pour fournir à l'artiste l'occasion de peindre un peu de chair. Ce qu'il faut voir dans le tableau c'est le paysage entier, avec ses vigueurs et ses finesses ». Œuvre ouvertement provocante ou manifeste pour une peinture moderne, il reste que ce pique-nique champêtre et libertin marquera un tournant dans l’histoire de l’art, inspirant, entres autres, Claude Monet et Pablo Picasso.À voir au Musée d’Orsay, 1, rue de la Légion d’Honneur, 75007 Paris.
C’est lui qui a commencé ! Oui, c’est bien un peintre de la Renaissance italienne, Titien, qui a su révolutionner la représentation du nu - féminin - caché sous des draps de pureté allégorique. Cette commande privée ne saurait simplement représenter la symbolique matrimoniale : les cheveux lâchés (coiffure des Vénitiennes le jour de leurs noces), le petit chien endormi (symbole de fidélité) et les coffres de mariage où les servantes s’affairent. Trop d’éléments sont ambivalents : le bouquet de roses que la belle Vénus tient dans sa main droite peut faire allusion à une offrande sexuelle, le chien endormi peut être l’illustration de la luxure et le geste de la main gauche agrémenté du regard direct et franc de la courtisane - s’il s’agit bien de cela - peut tout simplement signifier une invitation au plaisir sexuel. Le duc d’Urbino lui-même eu du mal à montrer l’œuvre en public, qui sera jugée obscène au XIXème siècle.A voir à la Galerie des Offices de Florence.Edouard Manet s’emparera du stratagème pour venir, à son tour, ébranler la représentation classique du nu féminin : Olympia scandalisera encore plus que Le Déjeuner sur l’herbe. Sa nonchalance franche - regard directement tourné vers le spectateur, un pied encore chaussé, allongée telle une prostituée sur un lit somptueux - est corroborée par des éléments plutôt clairs : Olympia est le surnom des cocottes de l’époque, la servante noire au bouquet métaphorise l’admirateur en attente et le chat noir à la queue levée, la lubricité. L’œuvre fut refusée au Salon de 1863 puis scandalisa lors de celui de 1865.À voir au Musée d’Orsay, 1, rue de la Légion d’Honneur, 75007 Paris.
« Cachez cette vulve que nous ne saurions voir ». En 2015, le réseau social Facebook censure encore la diffusion du tableau de Courbet. Et pendant 125 ans, cette Origine du Monde sera admirée en privé, des salons du collectionneur de tableaux érotiques, le diplomate turco-égyptien Khalil-Bey, à ceux du psychanalyste Jacques Lacan, qui l’aurait caché derrière une œuvre inspirée de l’original, mais plus suggérée. Un parcours souterrain pour une œuvre qui dévoile tout : vue plongeante sur le sexe d’une femme dont on ne voit ni la tête ni les jambes mais le ventre, les cuisses et un sein, allongée dans ce qu’on imagine être un lit, entre des draps blancs. Après les véhémences de Manet - Le Déjeuner sur l’herbe, l’Olympia - c’est bien la première fois que le sexe féminin, souvent dénudé dans la peinture antique et allégorique, se voit révélé dans toute sa réalité brute. Mais ce n’est qu’en 1991 que cette œuvre est dévoilée au grand public, au musée Courbet, situé à Ornans. Le scandale éclate étrangement qu’à la sortie d’un livre - Adorations perpétuelles de Jacques Henric - illustré en couverture par… L’Origine du Monde. La police va jusqu’à faire retirer des exemplaires en librairie et des actions judiciaires sont entamées contre le livre. Et puis le tableau atterrit dans les collections permanentes du Musée d’Orsay en 1995, comme accepté. Un gardien reste cependant posté devant en permanence au cas de débordements de toutes sortes. Exemple de débordements en 2014 avec une artiste plasticienne qui joue la scène façon grandeur nature : jambes écartées, vêtue d’une robe dorée rappelant le cadre du tableau. Deux gardiens s’interposent et c’est l’évacuation. Encore aujourd’hui, malgré l’abondance d’images pornographiques ou provocantes quasi-acceptées, la toile n’en finit pas de troubler : peut-être son statut d’inclassable, entre œuvre d’art majeure et imagerie triviale ?Et n’en finit pas d’inspirer : transformiste féministe, l’artiste Orlan, prête à tout pour interroger le statut du corps dans la société, s’est emparée du chef d’œuvre pour le détourner dans son versant masculin. L’Origine de la guerre (1989) reprend la même disposition du corps - ici masculin - avec, logiquement, un sexe d’homme à la place. Son but ? Montrer l’autre versant de l’humanité, le pendant de L’Origine du monde."L'Origine du Monde" à voir au Musée d’Orsay, 1, rue de la Légion d’Honneur, 75007 Paris.
Petits rats de l’opéra et danseuses étoiles véhiculent à jamais grâce et élégance. Quelle mouche a donc piqué Edgar Degas, habitué des cours de danse, en présentant sa Petite danseuse de 14 ans, statue de cire, sourire narquois - certains observateur de l’époque ont employé le terme « vicieux », peu gracieuse, habillée d’un véritable tutu et coiffée d’un large ruban blanc ? Et donc, sous les vêtements, le modèle - une élève de l’Opéra - était bien nu. Se dessinent ainsi en coulisses les dessous d’un système de jeunes filles entretenues par de riches « protecteurs ». Une provocation - simple recherche artistique de Degas pour dévoiler au grand jour la vérité dans une société hypocrite - qui marqua l‘exposition impressionniste de 1881 et l’histoire.À voir au Musée d’Orsay, 1, rue de la Légion d’Honneur, 75007 Paris.
3 jours de prison, une condamnation pour outrage aux bonnes mœurs et propagation de dessins indécents et une œuvre brulée en public. Voilà le prix que paya Egon Schiele, le Rimbaud de la peinture Autrichienne (mort à 28 ans foudroyé par la grippe espagnole), pour ses dessins et aquarelles de nus extrêmement explicites et érotiques. Florilèges : La Vue en rêve (1911) exprime la jouissance extrême d’une femme cuisses ouvertes, é
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