Пауль Клее — Paul Klee
MaximПауль Клее (1879-1940)
— немецкий и швейцарский художник, график, теоретик искусства, одна из крупнейших фигур европейского авангарда. Творчество Клее не принадлежал ни одному из направлению модернизма, часто его работы сложно подогнать под конкретное направление. Он был художником рисующим музыку и другие миры, каждый его цвет – это нота, полотно – мелодия.
Пауль родился в семье музыкантов, в детстве играл на скрипке и был очень одаренным музыкантом, в 11-летнем возрасте его пригласили участвовать в концерте Музыкальной ассоциации Берна, но повзрослев он выбрал изобразительное искусство. Будучи глубоко образованным человеком, в 19 лет он решил круто изменить свою судьбу, стать художником. Выбор между музыкой и живописью был тяжёлым. Поначалу в академию художеств его не приняли, но это его не остановило, он занимался в частной школе немецкого художника Генриха Книрра. После поступления в 21 год в Академию, он быстро разочаровался в системе преподавания и стал заниматься самообразованием.
Через некоторое время Клее проводит в Париже две недели, изучая в музеях живопись. Там он впитывает не только классику, но и новую волну: Сезанн, Ван Гог, Матис. Клее знакомится с художниками группы «Синий всадник», с Робертом Делоне, Василием Кандинским и Францем Марком и записывает все свои впечатления в дневник. Он будет вести его 20 лет. Впоследствии эти записи станут основой его теоретических разработок и педагогической системы.
Спустя 12 лет увлечения изобразительным искусством, состоялась первая выставка Клее в музее, где его работы продаются. Еще через год - персональная выставка. Клее пишет в своём дневнике: «Цвет овладел мной. Мне не нужно гнаться за ним. Он овладел мной навсегда, я это знаю. Вот смысл счастливой минуты: я и цвет едины. Я – художник».
Сгущенные природные краски, плавящиеся от жара. Сочность цвета и формы, которые Клее не стремится смешать, но разделяет, формируя абстрактное мышление. При этом Клее работает, не основными, а дополнительными цветовыми контрастами.
Клее считал, что все в мире находится в постоянном процессе изменения, поэтому художник, находящийся в движении, не может просто копировать натуру, ведь ни она не статична, ни он сам.
«Форма - это не результат, а генезис. Движение во вселенной есть данность. Покой - это случайное торможение материи, считать эту остановку первичной - это заблуждение. И потому считать форму чем-то покойным - это ошибка». «Искусство существует по тем же законам, что мироздание». «Встречаясь с натурой, художник не может выйти за пределы единства с ней. Художник - человек, он сам - природа и часть природного пространства».
Сложные цвета и богатая фактура. Похоже на город, вид сверху, среди бескрайних просторов. Картина напоминает современные градостроительные системы. Мелкое лоскутное усложнение центральной части - сердца города, и более крупное, фоновое на периферии. Пешеходные зоны (жёлтые), общественные пространства (красные), рекреации (голубые и зелёные).
С 1918 года Клее становится одним из самых востребованных художников и лидером новейшего искусства. Обстоятельность характера, способность высказываться об искусстве свободно и интересно, теоретизировать вопросы, привели к тому, что его пригласили преподавать в Баухауз. Его там ждали.
Баухауз – это архитектурная школа в Германии, которая развивала новое направление в архитектуре. Новая архитектура и дизайн были призваны стать доступнее людям, сформировать новую эстетику. Не дорогое, но эстетически ценное пространство; не персонифицированное, а унифицированное производство всех мелких и крупных бытовых предметов и мебели. Отказ от роскоши, от старого, тяжёлого, ветхого мышления.
Сам термин происходит от немецких слов Bau — «строительство» и Haus — «дом, здание». В 2022 году созданной концепции исполнилось 103 года.
Клее преподаёт в Баухаузе теорию формы 10 лет, с 1921 по 1931 год. За это время художником было создано около 3900 рукописных листов.
В результате работы над лекциями и практическими занятиями, Клее сформировал систему, отчасти выраженную в книге «Педагогические эскизы», в которой он использовал наблюдения и анализ 20 лет ведения дневника. Книга написана с целью освободить художников от стереотипного восприятия натуры, уйти от копирования, погрузиться в новую дисциплину мышления. Изучать и выражать закономерности природной механики. В книге Клее близко подошел к греческим законам архитектоники.
Весь курс Клее был направлен на то, чтобы формировать активных художников, думающих, предельно чутких и дать им новые ключи в искусстве.
Прозрачные цвета, пересекая друг друга, образуют новые цвета, по-новому звучат. Двигаясь друг к другу, цвета меняют качество.
Клее занимался анализом рациональной геометрии и конструкции. Интерес к конструктивизму отразился в его картинах, которые были тесно связаны с архитектурным творчеством, кипящим рядом. Клее писал: «В общей композиции линия приобретает значение меры, цвет – качество, а тон – вес».
Принципы Клее в этой картине: линии ограничивают цвет. Полосы разных цветов, пересекаясь, образуют новые цвета. Тон цвета задаёт ему глубину и тяжесть. А сам цвет определяет эмоцию, качество. Всё в совокупности определяет образ. Закатный ли это яркий луч, может быть вечерний свет из окон – каждый может по-своему прочесть картину.
Магистраль, уходящая за горизонт, в небо, поделённая на части, взаимодействует с окружающим ландшафтом, множеством других путей и возделанными полями. Голубые - в лужах, отблески неба на земле - испещрённой царапинами, сгустками красок, помятой, как сама жизнь.
Близкие по геометрии, но не похожие по колориту картины. Игра фиолетовых выводит красный на главную роль, придавая ему свечение и драматизм. Синий создаёт воздушную перспективу. Растворение вертикальных форм в горизонтальных похоже на панораму современного жилого района в вечернее время, дома-башни на закате.
В землистом колорите другой картины светлый жёлтый создаёт ощущение движения воды, текучести, перемен. Обе картины вдохновляют на архитектурное творчество, так как взаимодействие прямоугольных элементов, смена их масштаба, ведут тонкую игру.
После ухода из Баухауза, в связи с приходом к власти фашистов ситуация во всех сферах жизни кардинально изменилась, Клее начал работать в Дюссельдорфе, где ему предоставили огромную мастерскую, он стал работать с крупными форматами. Начал экспериментировать с новым для себя направлением – пуантилизмом (живопись точками).
Богатство цвета, свободное, радостное звучание как будто целого оркестра. В натуре, на таких картинах каждая точка даёт блик, звучит своим индивидуальным звуком. Всё вместе звучащие точки создают полифонию, ощущение полноты, глубины. При всём разнообразии прямоугольных элементов этой картине, читается диагональное деление её пространства на два треугольника. Справа - с основными зелёными, слева - с основными синими.
Интересная, в какой-то степени, философская идея Клее, применённая им в живописи: «Формальными элементами, с которых все начинается, являются точки, линейные, плоскостные и пространственные элементы в произведении. Элементы должны дать в итоге форму, но при этом сохраняя самих себя».
(гора в Греции, в мифологии - место пребывания муз)
В этой картине Клее сначала пастозно писал белую точку, затем закрывал ее полупрозрачными слоями краски, снова демонстрируя полифоничность живописи. Тонкость проработки каждой точки, даже более индивидуальное, чем при шитье бисером или на ткацком полотне, добавляют глубину смысла картине. Оранжевый, цвет радости, оттеняется и дополняется множеством голубых тонов: лазурных, фиолетовых, сизых, изумрудных. Всё вместе играют музыкальную симфонию.
Интересно, что музыка возникает только из взаимодействия человека с инструментом, то есть от движения. Так же, по мнению Клее, и другие произведения: «Художественное произведение возникло из движения, и само оно есть фиксированное движение - и воспринимается движением глаз, глазных мускулов. Движение - в основе всякого становления».
В 1933 году Клее вынужден уехать обратно в Швейцарию в связи с еврейским происхождением. В 1937 национал-социалисты называют искусство Клее «дегенеративным», выставляют 15 работ его на выставке дегенеративного искусства.
В картинах Клее на протяжении всего творчества часто присутствуют абстрактные, фантазийные или жизненные персонажи. Тонкие линии рисунков Клее, свободно изогнутые, следуют его идеи:
Лазурное, а далее глубоко затягивающее море. Узорчатые забавные персонажи, в свободном геометрическом рисунке, похожим и на греческие и другие этнические мотивы.
В последнем этапе жизни у Клее прогрессировало редкое аутоиммунное заболевание. Болезнь ограничивала его, но при этом он создал более 1200 произведений. В последних работах Клее особая метафизика образов, которые интересно разгадывать, открывая для себя не привычную реальность, раздвигая рамки. Это жизнь уже в другом измерении, глубоко выраженная в творчестве.
Картина с глубоким зелёным и синим цветом, с небольшими участками белых облаков и черными решетками как перечёркнутой свободой. Проступающий оранжевый под чёрным показывает, что решётки ржавые, а пленник уже слился с решётками и прорастает из них.
Клее умер в 1940 в клинике святой Агнессы.
В 2005 году в Бёрне Швейцария был построен Центр Пауля Клее, архитектор Ренцо Пиано... Линия вышла на прогулку...
Разрез здания. Ландшафтная скульптура повторяет очертания ближайших холмов.
Будучи участником крупных художественных течений, Пауль Клее всегда остается уникальным художником, чьи живописные поиски невозможно вписать в рамки одного направления. Эксперименты с различными техниками, изобретение собственного пуантилизма, мечта вырастить картину как растение, стремление передать максимальное движение минимумом изобразительных средств... Клее практически не писал абсолютно абстрактных картин. Его художественный поиск – взгляд на нечто осязаемое и определенное изнутри и сразу со всех сторон – это был поиск «исчерпывающей сути».
Эта картина была создана, когда Клие был вдохновлен впечатлением от природы, которое он испытал в парке близ Люцерна. Картина отражает контраст между жесткими черными штрихами, представляющими ветви, и яркой цветовой тональностью между ними.
Обратно к списку художников
За основу взят текст с сайта Молодёжка, Автор Екатерина Кожушаная.