L'indienne moderne

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L'indienne moderne
Le mouvement d’art indien moderne dans la peinture indienne est considéré comme ayant commencé en Calcutta à la fin du XIXe siècle. Les vieilles traditions de la peinture avaient plus ou moins disparu dans Bengale et les nouvelles écoles d’art ont été lancées par les Britanniques. Initialement, les protagonistes de l’art indien tels que Raja Ravi Varma ont puisé dans les traditions et les techniques occidentales, y compris la peinture à l’huile et la peinture de chevalet. Une réaction à l’influence occidentale a conduit à un renouveau dans le primitivisme, appelé l’école d’art du Bengale, qui a puisé dans le riche héritage culturel de Inde . Il a été succédé par l’école Santiniketan, dirigée par Rabindranath Tagore qui revient à la vie rurale et rurale idyllique. Malgré son influence à travers le pays dans les premières années, l’importance de l’école a diminué par les années ’40 et maintenant il est aussi bon que mort.
Écoles d’art britanniques
Peinture à l’huile et au chevalet En Inde a commencé au début du XVIIIe siècle qui a vu de nombreux artistes européens, tels que Zoffany, Kettle, Hodges, Thomas et William Daniell, Joshua Reynolds, Emily Eden et George Chinnery à venir à Inde à la recherche de la gloire et de la fortune. Les tribunaux des États princiers de l’Inde ont été un attrait important pour les artistes européens en raison de leur patronage des arts visuels et des arts de la scène et aussi de leur besoin de style européen de portraits
Les marchands de la East India Company fournissaient également un grand marché pour l’art indigène. Un genre distinct s’est développé de l’aquarelle sur papier et mica dans la seconde moitié du 18ème siècle dépeignant des scènes de la vie quotidienne, regalia des cours princières, et des festivités et des rituels indigènes. Désigné sous le nom de « style d’entreprise » ou » Patna style « , il a d’abord prospéré à Murshidabad et s’est étendu à d’autres villes de la suzeraineté britannique. Le style est considéré par les autorités comme » de style hybride et de qualité indistincte « .
Après 1857, John Griffiths et John Lockwood Kipling (père de Rudyard Kipling) sont venus ensemble en Inde; Griffith a été nommé l’un des meilleurs peintres victoriens de l’Inde et Kipling a dirigé l’école d’art JJ et la Mayo School of Arts de Lahore en 1878.
L’attitude éclairée du dix-huitième siècle montrée par une génération antérieure de Britanniques à l’égard de l’histoire, des monuments, de la littérature, de la culture et de l’art indiens a pris un tournant au milieu du dix-neuvième siècle. Les manifestations antérieures de l’art indien ont été balayées comme étant «mortes» et comme la substance des musées; « De la perspective britannique officielle, Inde Pour propager les valeurs occidentales dans l’éducation artistique et le programme colonial, les Britanniques ont créé des écoles Calcutta et Madras en 1854 et en Bombay en 1857.
Raja Ravi Varma
Raja Ravi Varma (1848-1906) était un peintre indien autodidacte remarquable de l’état princier de Travancore. Son exposition dans l’ouest est venue quand il a gagné le premier prix à l’exposition d’art de Vienne en 1873. Les peintures de Varma ont été également envoyées à l’exposition du monde Columbian tenue dans Chicago en 1893 et ​​son travail a reçu deux médailles d’or. Il est considéré comme le premier des modernistes, et, avec Amrita Sher-gil (1913-1941), les principaux représentants des techniques occidentales pour développer une nouvelle esthétique dans l’interprétation subjective de la culture indienne avec «la promesse de matérialité dans le milieu des huiles et le paradigme de la réalité du miroir / fenêtre de la peinture de chevalet « . Mahadev Vishwanath Dhurandhar (1867-1944), Antonio Xavier Trindade (1870-1935), Manchershaw Fakirjee Pithawalla (1872-1937), Sawlaram Lakshman Haldankar (1882-1968) et Hemen Majumdar ( 1894-1948).
L’œuvre de Varma était considérée comme l’un des meilleurs exemples de la fusion des traditions indiennes avec les techniques de l’art académique européen, dans le cadre colonial-nationaliste du XIXe siècle. On se souvient surtout de lui pour ses peintures de belles femmes vêtues de sari, qui ont été dépeintes comme étant galbées et gracieuses. Varma est devenu l’allégoriste le plus connu des sujets indiens dans sa représentation des scènes des épopées du Mahabharata et du Ramayana.
Raja Ravi Varma considérait son travail comme «établissant une nouvelle identité civilisationnelle dans les termes de l’Inde du XIXe siècle». Il voulait constituer un canton d’art indien à la manière de ceux des civilisations grecques et romaines classiques. L’art de Varma est venu jouer un rôle important dans le développement de la conscience nationale indienne. Varma a acheté une imprimerie qui a produit des copies d’oléographie de ses peintures qui ont honoré les maisons de la classe moyenne de Inde , plusieurs décennies après sa mort. Considéré comme un génie dans son heydey, quelques années après son décès, les peintures de Varma sont soumises à de sévères restrictions pour imiter l’art occidental.
Raja Ravi Varma est décédé en 1906 à l’âge de 58 ans. Il est considéré comme l’un des plus grands peintres de l’histoire de l’art indien.
Picasso de l’Inde est venu en face de M. Vaibhav S. Adhav. Le Vaibhav S. Adhav est un artiste moderne indien. Et il a fait une nouvelle forme d’art qui s’appelle Indo-Euro Modern Art. C’est un art unique dans le monde. Il est basé à Inde . Il y a développé l’art moderne, contemporain, indien, européen, warli, paysage etc. Maintenant il est l’avenir de l’art indien.
le Bengale École
Pendant l’ère coloniale, les influences occidentales avaient commencé à avoir un impact sur l’art indien. Certains artistes ont développé un style qui utilisait des idées occidentales de composition, de perspective et de réalisme pour illustrer des thèmes indiens, Raja Ravi Varma étant parmi eux. L’école du Bengale est née en tant que mouvement d’avant-garde et nationaliste réagissant contre les styles artistiques académiques promus auparavant Inde , à la fois par des artistes indiens tels que Varma et dans les écoles d’art britanniques.
Après avoir largement influencé les idées spirituelles indiennes en Occident, le professeur d’art britannique Ernest Binfield Havel a tenté de réformer les méthodes d’enseignement de la Calcutta School of Art en encourageant les étudiants à imiter les miniatures mogholes. Cela a provoqué une immense controverse, conduisant à une grève des étudiants et à des plaintes de la presse locale, y compris de la part des nationalistes qui considéraient qu’il s’agissait d’un mouvement rétrograde. Havel a été soutenu par l’artiste Abanindranath Tagore, un neveu du poète Rabindranath Tagore.
Abanindranath a peint un certain nombre d’œuvres influencées par l’art moghol, un style que lui et Havel ont cru exprimer Inde les qualités spirituelles distinctes, par opposition au «matérialisme» de l’Occident. Sa peinture la plus connue, Bharat Mata (Mother India), représentait une jeune femme, représentée à quatre bras à la manière des divinités hindoues, tenant des objets symboliques de Inde aspirations nationales. Les autres figures éminentes de l’école d’art du Bengale étaient Gaganendranath Tagore, frère aîné d’Abanindranath, Jamini Roy, Mukul Dey, Manishi Dey et Ram Kinker Baij, qui est plus célèbre en tant que pionnier de la sculpture indienne moderne. Une autre figure importante de cette époque était Chittaprosad Bhattacharya, qui a rejeté le classicisme de la Bengale École et ses préoccupations spirituelles. Son livre Hungry Bengal: une tournée à travers le district de Midnapur comprenait de nombreux croquis de la famine du Bengale tirés de la vie, ainsi que la documentation des personnes représentées. Le livre a été immédiatement interdit par les Britanniques et 5000 exemplaires ont été saisis et détruits. Une seule copie a été cachée par la famille de Chittaprosad et est maintenant en possession du Delhi Art Galerie .
Au cours des premières années du XXe siècle, Abanindranath a développé des liens avec des personnalités culturelles japonaises telles que l’historien de l’art Okakura Kakuzō et le peintre Yokoyama Taikan dans le cadre d’une initiative moderniste mondialisée aux tendances panasiatiques.
Ceux associés à ce modèle indo-extrême-oriental comprenaient Nandalal Bose, Benode Behari Mukherjee, Vinayak Shivaram Masoji, BC Sanyal, Beohar Rammanohar Sinha, et par la suite leurs étudiants A. Ramachandran, Tan Yuan Chameli et quelques autres. le Bengale L’influence de l’école sur la scène artistique indienne a progressivement commencé à diminuer avec la diffusion des idées modernistes après l’indépendance.
Santiniketan
Le manteau de la Bengale École a été repris lorsque Rabindranath Tagore a établi le visionnaire Université de Santiniketan , une université axée sur la préservation et l’élévation de la culture, des valeurs et du patrimoine indiens. Il comprenait une école d’art « Kala Bhavan » fondée en 1920-21. Bien que Rabindranath lui-même ait tardé à peindre dans sa longue vie productive, ses idées ont grandement influencé le modernisme indien. En privé, Tagore a fait de petits dessins, colorés avec des encres, pour lesquelles il s’est inspiré de son inconscient pour son primitivisme. Dans la vie publique, le primitivisme de Rabindranath peut être directement attribué à une résistance anti-coloniale, semblable à celle du Mahatma Gandhi.
L’un des premiers étudiants d’Abanindranath Tagore était Nandalal Bose, qui devint plus tard un enseignant et plus tard le directeur de l’art. Nandalal a conduit l’école à une position de prééminence dans l’idéologie nationaliste qui apparaît maintenant dans la culture indienne. L’école de pensée de Shantiniketan a souligné qu ‘«une esthétique était aussi un ethos, que le rôle de l’art était plus que rehaussant la vie, qu’il façonnait le monde». Il a établi une version indienne du naturalisme distincte des écoles orientales et occidentales, un exemple étant l’abandon de la peinture à l’huile et au chevalet pour le travail sur papier dessiné / coloré à l’aquarelle, à la lessive, à la tempera et à l’encre. Le rêve de Rabindranath Tagore de vénérer les vieilles valeurs, caractérisées par des motifs tels que le folklore rural, en particulier les tribus santhal, s’est concrétisé dans les écoles de l’Université Viswa-Bharati à Santiniketan. Certains des artistes éminents de l’école Santiniketan sont Benode Behari Mukherjee, Ramkinkar Baij, Shank Chowdhury, Dinkar Kowshik, KG Subramanyan, Beohar Rammanohar Sinha, Krishna Reddy, A Ramachandran, Shobha Brhma, Ramananda Bandhapadhyay, Dharma Narayan Dasgupta, Sushen Ghose, Janak Jhankar Narzary.
Modernisme Contextuel
L’idée du modernisme contextuel a émergé en 1997 de Santiniketan de R. Siva Kumar: La fabrication d’un modernisme contextuel comme un outil critique postcolonial dans la compréhension d’un modernisme alternatif dans les arts visuels des colonies d’autrefois comme Inde , en particulier celle des artistes Santiniketan.
Plusieurs termes, dont la contre-culture de la modernité de Paul Gilroy et la modernité coloniale de Tani Barlow, ont été utilisés pour décrire le type de modernité alternative apparue dans des contextes non européens. Selon le professeur Gall, le modernisme contextuel est un terme plus adapté parce que «le colonialisme dans la modernité coloniale ne tolère pas le refus de beaucoup de personnes dans les situations colonisées d’intérioriser l’infériorité». pour corriger l’essentialisme racial et culturel qui conduisait et caractérisait la modernité et le modernisme occidentaux impériaux, ces modernités européennes, projetées par une puissance coloniale britannique triomphante, provoquèrent des réponses nationalistes, également problématiques lorsqu’elles incorporèrent des essentialismes similaires.
Selon R. Siva Kumar « Les artistes de Santiniketan ont été parmi les premiers à s’opposer consciemment à cette idée du modernisme en se retirant à la fois du modernisme internationaliste et de l’autochtonie historiciste et ont essayé de créer un modernisme sensible au contexte. » Il avait étudié le travail des maîtres Santiniketan et réfléchi à leur approche de l’art depuis le début des années 80. La pratique consistant à subsumer Nandalal Bose, Rabindranath Tagore, Ram Kinker Baij et Benode Behari Mukherjee sous la direction de l’école d’art du Bengale était, selon Siva Kumar, trompeuse. Cela est arrivé parce que les premiers écrivains étaient guidés par des généalogies d’apprentissage plutôt que par leurs styles, visions du monde et perspectives sur la pratique artistique.
Le modernisme contextuel dans un passé récent a trouvé son utilisation dans d’autres domaines connexes d’études, en particulier dans l’architecture.
Post-indépendance
Au moment de Indépendance en 1947, plusieurs écoles d’art à Inde fourni l’accès à des techniques et des idées modernes. Des galeries ont été créées pour présenter ces artistes. L’art indien moderne montre généralement l’influence des styles occidentaux, mais est souvent inspiré par les thèmes et les images indiennes. Les grands artistes commencent à acquérir une reconnaissance internationale, d’abord parmi la diaspora indienne, mais aussi parmi les publics non-indiens.
Le groupe d’artistes progressistes, créé peu après Inde devenu indépendant en 1947, était destiné à établir de nouvelles façons d’exprimer Inde dans l’ère post-coloniale. Son fondateur était Francis Newton Souza et SH Raza, MF Husain et Manishi Dey étaient les premiers membres. Il a été profondément influent dans le changement de l’idiome de l’art indien. Presque tous les artistes majeurs de Inde dans les années 1950 ont été associés au groupe. Parmi eux, Akbar Padamsee, Sadanand Bakre, Ram Kumar, Tyeb Mehta, KH Ara, HA Gade et Bal Chabda. En 1950, VS Gaitonde, Krishen Khanna et Mohan Samant rejoignent le Groupe. Le groupe s’est dissous en 1956.
D’autres peintres célèbres comme Narayan Shridhar Bendre, KKHebbar, KCS Paniker, Sankho Chaudhuri, Antonio Piedade da Cruz, KG Subramanyan, Beohar Rammanohar Sinha, Satish Gujral, Bikash Bhattacharjee, Jehangir Sabavala, Sakti Burman, A. Ramachandran, Ganesh Pyne, Nirode Mazumdar, Ghulam Mohammed Sheikh, Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins, Vivan Sundaram, Jogen Chowdhury, Jagdish Swaminathan, Jyoti Bhatt, Bhupen Khakhar, Jeram Patel, Narayanan Ramachandran, Paramjit Singh, Pranab Barua, Dom Martin (le peintre surréaliste de Goa) et Bijon Choudhuri a enrichi la culture artistique de l’Inde et sont devenus les icônes de l’art indien moderne. Des femmes artistes comme B. Prabha, Shanu Lahiri, Arpita Singh, Anjolie Ela Menon et Lalita Lajmi ont apporté une immense contribution à la peinture et à l’art indiens modernes. Les historiens de l’art comme le professeur Rai Anand Krishna ont également fait référence à ces œuvres d’artistes modernes qui reflètent l’éthique indienne. Nagasamy Ramachandran, Jitish Kallat, Atul Dodiya et Geeta Vadhera ont été acclamés pour traduire des thèmes spirituels indiens complexes sur des toiles comme la pensée soufie, les Upanishads et le Bhagwad Geeta.
L’art indien a été stimulé par la libéralisation économique du pays depuis le début des années 1990. Les artistes de divers domaines ont commencé à proposer des styles de travail variés. La libéralisation postérieure L’art indien fonctionne non seulement dans les limites des traditions académiques, mais aussi à l’extérieur. Les artistes ont introduit de nouveaux concepts qui n’ont pas encore été vus dans l’art indien. Devajyoti Ray a introduit un nouveau genre d’art appelé pseudo-réalisme. L’art pseudo-réaliste est un style d’art original qui a été entièrement développé sur le sol indien. Le pseudo-réalisme prend en compte le concept indien de l’abstraction et l’utilise pour transformer des scènes régulières de la vie indienne en images fantastiques.
En post-libéralisation Inde , de nombreux artistes se sont établis sur le marché international de l’art comme le peintre abstrait Natvar Bhavsar, le peintre d’art abstrait Nabakishore Chanda et le sculpteur Anish Kapoor dont les gigantesques œuvres postminimales ont attiré l’attention par leur taille. De nombreuses maisons d’art et galeries ont également ouvert Etats-Unis et L’Europe  pour mettre en valeur les œuvres d’art indiennes.
Des érudits d’art tels que Vaibhav S. Adhav, C. Sivaramamurti, Anand Krishna, R. Siva Kumar et Geeta Kapur ont apporté l’art indien à une plate-forme globale.



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↑ « Le Corbusier, une aventure indienne » [ archive ] , 19 novembre 2010 (consulté le 30 mai 2017 )

↑ Nehru: Chandigarh, la capitale du Pendjab, le symbole d'une Inde nouvelle, libre et moderne

↑ Revenir plus haut en : a et b « Cours de Histoire-géographie - Les arts, témoins de l'histoire : La ville de Chandigarh en Inde » [ archive ] (consulté le 30 mai 2017 )

↑ Revenir plus haut en : a et b Lu qianqian, « ARCHITECTURE MODERNE DE L’INDE » [ archive ] , 25 juin 2012 (consulté le 8 juin 2017 )

↑ Revenir plus haut en : a et b Christopher E.M. Pearson, 1000 Monuments de Génie , parkstone, 2014 ( ISBN 978-1-78310-454-3 et 978-310-454-3 ) , p. 66







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L' architecture moderne en Inde est apparue après son indépendance , en 1947 [ 1 ] , [ 2 ] , [ 3 ] .

Elle est influencée à la fois par la culture indienne et étrangère [ 3 ] .

Deux tendances coexistent au sein du mouvement :

L'assemblée législative par Le Corbusier

Le Punjab et Haryana High Court (Cour suprême) par Le Corbusier

Section académique de l'Institut indien du management à Bangalore, réalisé en 1983 par B. V. Doshi


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