La caméra filme tout en gros plan
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La caméra filme tout en gros plan
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L’échelle des plans au cinéma, qu’est-ce que c’est ? À quoi ça sert ? Quels sont les différents plans d’une échelle des plans ? À quoi sert chacun d’entre eux ?
Autant de questions auxquelles vous trouverez ci-dessous des réponses !
Avant de parler de l’échelle des plans , commençons par définir ce qu’est un plan.
Un plan, c’est une prise de vue cinématographique comprise entre la mise en marche et l’arrêt de la caméra. Pour faire simple, c’est le jeu de scène filmé entre les mots « Action ! » et « Coupez ! ». Vous voyez, une séquence n’est qu’un ensemble de plans situés dans le même temps et dans le même lieu et assemblés au montage. Mais une séquence peut également ne comporter qu’un seul plan long. Dans ce cas, on parle de plan-séquence. Un plan peut ne durer que quelques secondes ou au contraire plusieurs dizaines de secondes. Mais il permet au réalisateur de mettre en avant les informations esthétiques, visuelles, symboliques et/ou psychologiques qu’il aimerait communiquer au téléspectateur. En choisissant tel plan plutôt que tel autre, un réalisateur pourra jouer sur l’imagination de son téléspectateur, susciter en lui de la peur, de l’admiration, de la colère, de la réflexion, etc. Maintenant, parlons de l’échelle des plans . Elle permet au réalisateur de déterminer quelle grandeur, quelle proportion donner aux sujets, aux personnages, aux objets et aux éléments du décor, et ce par rapport au cadre ; ce qui lui permet de mettre en avant les informations qu’il aimerait communiquer au téléspectateur.
Échelle des plans : les différents plans au cinéma
Au cinéma, l’échelle des plans comporte 7 plans :
La vocation du plan général est de montrer la totalité d’un décor, de décrire un lieu, un pays, une ville, etc, de façon à permettre au téléspectateur de situer le contexte de l’action, l’ambiance et l’atmosphère du film. Certes, on peut y montrer certains personnages. Mais ils seront si petits, si « noyés » que l’attention du téléspectateur restera focalisée sur l’environnement dans lequel l’intrigue a lieu.
Le plan général est utilisé dans plusieurs cas : le début du film ou le début de nouvelles séquences, la fin d’une séquence, etc.
L’angle de vue le plus fréquemment utilisé est ordinaire ou en plongée.
Comme le plan général, le plan d’ensemble est un plan large qui permet de décrire le décor, l’atmosphère, le lieu, le moment de la journée, etc. Mais il ne s’arrête pas là : il permet également de commencer à montrer l’action. Grâce à ce plan, on en sait déjà plus sur les personnages : qui ils sont, ce qu’ils font, là où ils vont, etc.
En fait, la première différence fondamentale entre le plan général et le plan d’ensemble, c’est que le dernier se focalise davantage sur un lieu (une rue par exemple) plutôt que de montrer le décor dans son ensemble.
La deuxième différence fondamentale ? Le plan d’ensemble rend déjà les personnages plus visibles afin de comprendre leurs actions.
Le plan d’ensemble est fréquemment utilisé dans les cas suivants : début de séquence, fin de séquence. Mais l’on s’en sert également pour montrer des scènes d’action limitées à certains personnages du film.
Passons maintenant à un autre plan de l’échelle des plans.
Le plan moyen ou plan pied permet surtout de montrer un ou plusieurs personnages de la tête aux pieds ; ce qui va permettre de rendre secondaires les informations fournies par le décor, et de focaliser l’attention du téléspectateur sur lesdits personnages ainsi que sur leurs actions.
Le plan moyen est utilisé dans de très nombreuses scènes : l’introduction d’un nouveau personnage, montrer une action d’un des protagonistes, etc.
Généralement le plan moyen, positionne l’horizon au niveau des yeux du sujet filmé.
Sur l’échelle des plans, le plan américain sert à cadrer les personnages à hauteur des cuisses ; et ici, le réalisateur peut ne pas combler l’espace avec un objet ou un décor.
Grâce au plan américain, le réalisateur met clairement en avant les actions des personnages sans compter que l’on peut y cadrer deux personnages côte à côte.
Par conséquent, le plan américain est très utilisé dans les dialogues, mais également pour les scènes où il est nécessaire de rendre les actions des personnages beaucoup plus visibles.
En matière d’ échelle des plans , précisons qu’il existe deux sortes de plans rapprochés : le plan rapproché poitrine et le plan rapproché taille.
Le plan rapproché taille permet de cadrer les sujets filmés au niveau de la ceinture. Avec le plan rapproché taille, on montre certains éléments du décor en arrière-plan, ceci afin de situer le contexte de déroulement de l’action. Mais le plan rapproché taille permet surtout de mettre l’accent sur le personnage, ce qu’il dit, ou ce qu’il fait, mais sans oublier son corps.
Quant au plan rapproché poitrine, il permet de cadrer les sujets filmés en dessous des aisselles. Si le plan rapproché taille met l’accent sur la partie haute du corps, le plan rapproché poitrine se concentre sur le visage ; ce qui permet au téléspectateur de se rendre compte de la psychologie, des émotions, et des intentions du sujet filmé.
Comme vous l’aurez compris, ces deux plans rapprochés permettent de mettre en avant ce que fait, dit et ressent le personnage.
Quand on parle d’ échelle des plans , on ne peut ignorer le gros plan. Le gros plan permet de se focaliser sur le visage du sujet filmé en coupant ce dernier au niveau ou juste au-dessus des épaules
Le gros plan est donc par excellence celui des émotions car il permet de dévoiler aux téléspectateurs les sentiments les plus profonds et les pensées les plus intimes du sujet filmé ; ce qui permet à ces derniers de s’identifier au sujet filmé ou au contraire de le rejeter.
Lorsque le gros plan porte sur un objet, on parle de plan serré.
Comme vous l’avez sûrement deviné, le gros plan est très utilisé lors des scènes de dialogues pour communiquer aux téléspectateurs les émotions, sentiments, et pensées des personnages.
Au niveau de l’ échelle des plans , le très gros plan est utilisé pour montrer un détail précis d’un personnage ou d’un objet.
S’il s’agit d’un personnage, on peut se servir du très gros plan pour montrer son œil, son bras, une cicatrice, une blessure, un tatouage, etc.
Si c’est un objet qui va faire l’objet du très gros plan, en montage cela est appelé un insert : l’on pourra ainsi montrer le cadran d’une horloge, l’aspect scintillant et tranchant d’un sabre, etc.
Focaliser l’attention sur un détail important de l’intrigue, Identifier un personnage, Voir ce que l’œil ne peut pas voir à échelle réelle.
Le très gros plan est fréquemment utilisé au cinéma : pour introduire une séquence, pour créer une interrogation : « Où sont-ils ? », « Qui c’est ? », pour des raccords de transition entre deux plans, etc.
Voilà, avez-vous des questions, des préoccupations sur l’échelle des plans ? Veuillez les partager avec nous dans les commentaires ci-dessous !
Tres utile j’ai decouvert se site il y a 2 jours et jadore , je sait que le theme est le cinema ! Est ce que se srais possible davoir des conseil coter video clip musicales ?
Salut je suis vraiment satisfait pour ce site tant bien important
Alors ma question est celle ci
Combien de temps maximum pour la durée d’un plan
Merci
Je ne crois pas qu’il y a une limite .mais faudra définir la durée en fonction de ce que veut montrer le plan.le truc est de ne pas être trop lent sinon ça risque d’ennuyer à moins que le contenu du plan est intéressant et même si ….ça dépend aussi de la vitesse que vous voulez donner à votre histoire à raconter .J’appelle L’administrateur de la page au secours pour homologuer ou non ma réponse . Toute fois on connaît des réalisateurs qui ont créer leur style de variation de plan.le cinéma reste de l’art.
maxi 2 ou 3 min et après c’est pas une règle c’est selon toi car il y a pas vraiment de durée
Vraiment enrichissant. Pourriez vous réellement accompagner l’instruction avec des vidéos s’il vous plaît?
Mercie vraiment pour ce que vous faîtes pour nous en particulier des gens comme moi qui n’avions pas les moyens de se payé une école professionnel en audiovisuel et qui somme passionnés par la réalisation. Moi particulièrement,je serais plus bénie si vous nous expliquez un peux sur la réalisation des clips musicale
cool sauf que j’ai un problème avec le votre plan américain. A mon sens votre plan américain est plutôt un plan italien. C’est un plan italien parce que c’est à ce niveau que les italiens mettaient leurs colts. Le plan américain est un peu plus haut. Merci
Bonjour Mr. Weil
est ce vraiment nécessaire de commencer par un très gros plan pour commencer une séquence?
Merci
Je n’ai pas compris quand faut il utiliser le très gros plan
Le plan italien est plûtot cadré au niveau des mollets, donc ce n’est pas non plus un plan italien vu que la c’est cadré au niveau des cuisses. Mais il est vrai qu’il est cadré un peu plus bas qu’un plan américain, on va remplacer ça par un vrai plan américain pour être plus clair 🙂
Bonjour, moi c’est Romain, nous ne sommes pas sur le site de Mr.Weil :).
Sauf erreur de ma part je ne crois pas qu’il soit dit dans l’article qu’il faille commencer une séquence par un très gros plan . D’ailleurs il n’y a pas d’obligation de commencer par tel ou tel plan dans un séquence cela dépends de l’effet recherché, souvent une séquence commence par un plan plutôt large (plan d’ensemble ou de demi-ensemble) pour situé la séquence, le personnage dans son environnement…mais il n’y aucune obligation.
Plans italien
C’est un plan montrant un personnage jusqu’au genoux. Ce plan, créé
après la seconde guerre mondiale, aurait permis de filmer des mutilés
de guerre sans que cela se voit. D’autres pensent qu’il s’agissait aussi
de cacher les chaussures usées (une honte pour un italien).
A l’inverse, une autre « thèse » prétend que ce plan évitait de filmer des chaussures que leurs propriétaires maniaques faisaient trop briller.
❤❤ très heureux d’avoir découvert ce site, je veux encore être plus enseigné dans le domaine de la réalisation et le montage
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Aujourd’hui, intéressons-nous un peu mieux à un système de mise en scène que tout le monde utilise et qui est visible partout : le travelling. Tout le monde sait ce que c’est, mais pas forcément en détails. Plus important, nous allons voir également les significations de ses effets sur la mise en scène. Le tout, bien sûr accompagné d’exemples.
Au théâtre, l’environnement et le cadre sont fixes, le spectateur ne voit l’action que d’un seul point de vue, global et extérieur. Au cinéma, le travelling, comme la caméra portée , permet aux réalisateurs de déplacer la caméra dans l’espace afin d’obtenir différents points de vues.
Le travelling est un déplacement réel de la caméra durant la prise de vue qui amène à un changement de point de vue physique. La caméra se rapproche ou s’éloigne d’un sujet donné, en étant sur des rails. Ceci garantie un mouvement fixe et droit de plan, à la différence d’une grue ou d’un steadicam .
Il existe différents types de travelling. En revanche, l’utilisation du zoom ne nécessitant pas de mouvements de la caméra, il ne s’agit pas d’un travelling. La caméra étant en mouvement, l’ échelle des plans change au fur et à mesure de son déplacement.
Le travelling peut être réalisé à l’aide de rails
Le travelling est un très vieux procédé de mise en scène puisqu’il date de 1896, soit juste un an après l’invention du cinématographe. C’est à Venise sur une gondole que celui-ci est née, grâce à un opérateur des frères Lumière . On appelle alors ceci « la vue panoramique Lumière ». Le mot travelling n’apparaitra, lui, que dans les années 1920, par une critique cinématographique qui utilisera un faux anglicisme français.
Par la suite, le travelling est grandement développé dans sa dramaturgie cinématographique par Griffith ou Méliès qui vont grandement utiliser le travelling. Aujourd’hui, c’est un mouvement de mise en scène que l’on retrouve dans chaque film tant il est commun. Il n’est donc pas possible de dire qu’un réalisateur est spécialisé dans le travelling comme on pourrait le dire avec le plan séquence. Pour autant, certains sont aujourd’hui devenus extrêmement cultes et ont marqué l’histoire du cinéma.
A l’origine, le travelling correspondait à l’utilisation d’un chariot ou de rails pour éviter des heurts lors d’un mouvement de caméra. Le résultat est un mouvement fluide, qui peut aller en ligne droite ou en courbe.
Le terme a évolué et est maintenant utilisé de façon très large pour désigner tout mouvement de caméra qui s’apparente à l’utilisation de rails, même si la technique est autre.
Les différents types de travelling peuvent influer dans les trois dimensions de l’espace. Le réalisateur choisit donc le mouvement le plus adapté à l’effet qu’il souhaite produire au spectateur.
Le travelling horizontal suit un sujet, une voiture ou un personnage, qui est au cœur de la séquence. Le mouvement de la caméra suit généralement le même rythme que le sujet. Cela donne du dynamisme à la scène et permet au spectateur d’adopter le rythme du sujet de la scène.
Dans un mouvement généralement effectué de gauche à droite, la caméra accompagne donc une action dans un décor qui se dévoile ou qui change progressivement aux yeux du spectateur.
Le travelling horizontal est très souvent utilisé pour montrer le ou les personnages principaux d’une séquence ou d’un film.
Travelling Latéral – Le lauréat de Mike Nichols
Le travelling vertical consiste en un mouvement qui fait descendre ou monter la caméra vers un sujet ou une action. On parle de travelling vertical haut lorsque la caméra s’élève au dessus du sujet filmé, généralement à l’aide d’une grue. On parle de travelling vertical bas lorsque la caméra descend par rapport au sujet filmé.
Le travelling vertical est très souvent utilisé en introduction d’une séquence, pour révéler progressivement le lieu et l’action. Il est également souvent employé pour montrer une information importante, comme le nom d’une personne sur une pierre tombale.
Travelling vertical – Once Upon a Time in the West de Sergio Leone
Ce travelling haut permet en effet de terminer la scène mais aussi de faire découvrir où
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Les filles tatoués adorent se faire enculer
Sexe avec deux mecs blacks