Купить Тёмный Кремёнки

🔥Мы профессиональная команда, которая на рынке работает уже более 5 лет.

У нас лучший товар, который вы когда-либо пробовали!

______________

✅ ️Наши контакты (Telegram):✅ ️

>>>НАПИСАТЬ ОПЕРАТОРУ В ТЕЛЕГРАМ (ЖМИ СЮДА)<<<

✅ ️ ▲ ✅ ▲ ️✅ ▲ ️✅ ▲ ️✅ ▲ ✅ ️

_______________

ВНИМАНИЕ! ВАЖНО!🔥🔥🔥

В Телеграм переходить только по ССЫЛКЕ что ВЫШЕ, в поиске НАС НЕТ там только фейки !!!

_______________

Купить Тёмный Кремёнки

Тиффани ANREX кремовый - прихожая - купить в официальном магазине Anrex мебель

Купить Тёмный Кремёнки

Амфетамин в Петропавловск-Камчатском

Бокорезы, кусачки

Купить Тёмный Кремёнки

Франция купить закладку Мефедрон [Cristalius 2.0]

Первую серию картин «Подсолнухи» Ван Гог написал в году в Париже. На двух картинах художник изобразил созревшие срезанные подсолнухи, лежащие на фиолетово-голубом фоне. Вторую серию художник выполнил в Арле в годах. На картинах второй серии художник изобразил подсолнухи в вазах на бирюзовом, синем, зелено-голубом и светло-желтом фоне. В ожидании друга Винсент и написал насколько картин с подсолнухами, чтобы украсить дом к приезду Гогена и выразить ему свою дружбу, преданность и восхищение. В году Поль Гоген также нарисовал подсолнухи, изобразив Винсента Ван Гога, рисующего любимые цветы. Для Ван Гога желтый цвет был воплощением радости, доброты, благожелательности, энергии, плодородия и солнечного тепла. В своих «Подсолнухах» он хотел воплотить цветок как небесное светило в ореоле лучей-лепестков. Именно поэтому сюжет особенно второго цикла картин очень прост — цветы в керамических вазах. При этом не понятно, стоит ли ваза на подоконнике или на столе, не выделен и не проработан фон, и лишь только подсолнухи изображены очень искусно. Гляди на эти цветы, кажется, будто они изображены в трехмерном пространстве : одни лепестки тянутся вверх, другие — вперед к зрителю, а некоторые устремлены вглубь холста. В своем дневнике Ван Гог отмечал, что мягкое и волшебное сочетание голубого цвета небесного свода и желтых тонов солнечных лучей напоминают ему картины Вермеера Делфтского, нидерландского живописца XVII века. Из писем художника своему брату становится ясно, что Ван Гог видел душу даже в неодушевленных предметах, а особенно в растениях. Это было для Ван Гога символом воплощения взаимосвязи всей планеты с космосом. В это время он жил во французском городе Арль. Именно в этот период была создана «Звездная ночь», картина с невероятным динамизмом , отражающая нервное напряжение художника. Изображение сцен в лунном свете имеет давние традиции в живописи, однако ни один художник до ван Гога не изображал ночное небо с таким трепетом перед его величием. По признаниям самого художника, звезды всегда были для него вдохновением для мечтаний, и он сожалел, что они недоступны. На картине небо, звезды и лунный серп движутся в едином волнообразном ритме. Художник изобразил звезды нарочито увеличенными, чтобы передать ореол мерцающего света. Свет от полумесяца также изображен будто пульсирующим. Спиральные завитки света, проносящиеся по звездному небу, создают стилизованный образ галактики. Все это звездное движение не перегружает сюжет, так как небо обрамляет приземленный пейзаж города и кипарисов , которые изображены в темном цвете, что придает им ощущения тяжести и земного притяжения. Тем не менее кипарисы не кажутся статичными, а изображены тянущимися вверх к звездному небу. Справа на картине изображен поселок у подножья холмов, который кажется равнодушным к бурному движению небесных светил, хоть и озарен их светом. Необычная глубина изображения была достигнута посредством использования техники рисования мазками разной длины и направленности. Также немаловажную роль в восприятии картины играет и ее цветовое сочетание: темный передний план и светлый задний план. Если сравнивать «Звездную ночь» с предыдущими работами художника, то она является более экспрессивной. Создание этой картины пришлось на фрейдистский этап в творчестве Дали. Спустя 14 лет после создания «Постоянства памяти», Дали вновь вернется к научно-технической теме в своем творчестве. Сюжет этой картины, по признанию самого Дали, был навеян художнику в жаркий летний день, когда он увидел, как мягкий сыр камамбер начинает плавиться от жары. Ранее у Дали имелась незавершенная картина с изображенной на платформе безлистой оливой на фоне гор, и художник решил завершить пейзаж. Так появился образ расплавленных карманных часов. В центре картины расположена фигура, подобие которой Дали часто использовал в картинах того периода. В абстрактной фигуре можно увидеть спящее человеческое лицо, которое считается автопортретом художника. В левом нижнем углу картины художник изобразил закрытые оранжевые карманные часы, покрытые муравьями. Дали часто использовал образ муравьев в своих картинах и связывал их со смертью. Горный пейзаж на дальнем фоне и выступ с часами в левом нижнем углу напоминают о родине Дали, а именно о береге Кадакеса и его доме в Порт-Лигате в Каталонии. На фасаде дома художника имелись сломанные солнечные часы, цвет которых в точности повторяет цвет часов на картине. Пустынный пейзаж картины изображает душевную пустоту, которая была присуща Дали в тот период. Основная же идея картины, по мнению многих критиков, состоит в человеческом переживании о времени и памяти : время относительно и постоянно в движении, а память недолговечна, но более стабильна. С года Моне жил в местечке Живерни в Верхней Нормандии. Здесь он приобрел участок земли, а возле дома со знаменитым розовым кирпичным фасадом Моне разбил прекрасный сад с арками, обвитыми вьющимися растениями. У дома художник также сделал большой пруд. Вокруг пруд утопал в зелени и цветах. Любуясь красотой своего сада и пруда, художник решил создать серию картин, сначала посвященных японскому мостику над прудом, а затем и серию с лилиями. Художник рисовал лилии в разное время года, в разное время суток и в разную погоду. В серию вошло более 80 полотен. Первые картины, серию пейзажей «Кувшинки, пейзажи воды» — , Моне представил на выставке в одной из парижских галерей в году. Картины были восторженно восприняты критиками. В году у Клода Моне диагностировали двойную катаракту, художник перенес две операции и лишился хрусталика на левом глазу. После этого зрение к нему вернулось, но в необычной форме, так как он стал видеть ультрафиолет как голубой или лиловый цвет. Именно поэтому на некоторых картинах серии «Водяные лилии», например, на картине года, так много яркого голубого и бирюзового цветов, в отличие от остальных работ художника, так как солнечный свет он видел именно в таком цвете. Некоторые картины серии «Водяные лилии» были создана не с натуры. Однажды Моне снова приступил к рисованию, но не смог найти вдохновения от привычного пейзажа, нарисованного им уже десятки раз. Тогда художник заперся в комнате и начал рисовать образ пруда, залитого лучами солнца, по памяти. Уникальность пейзажей Моне с водными линиями состоит в том, что они нарисованы без линии горизонта. Лишь на некоторых из них есть небо и деревья, но все они изображены отражающимися на водной поверхности. Сам художник называл свои картины, большинство из которых были довольно внушительных размеров, пейзажами-отражениями. Рисунок «Витрувианского человека» Леонардо нарисовал в своей книге, которую он посвятил изучению трудов Витрувия , античного римского архитектора и механика. Витрувий был автором системы, по которой Леонардо и изобразил «Витрувианского человека». В основе этой системы лежало представление об универсальных числовых закономерностях и пропорциональных отношениях, которые заложены в строении человека и самой Вселенной. Именно этими закономерностями Витрувий призывал пользоваться при постройке зданий и машин. Руководствуясь этими принципами, Леонардо да Винчи изобразил фигуру обнаженного мужчины в двух позициях , который наложены друг на друга. Одна позиция с разведенными руками и сведенными вместе ногами вписана в квадрат, а другая с разведенными руками и ногами вписана в круг, причем центром круга является пупок «Витрувианского человека». Существует множество теорий, которые описывают истинную цель создания рисунка. Согласно одной из них, Леонардо создал «Витрувианского человека» по подобию Христа с Плащаницы , которую он реставрировал как раз в годы создания рисунка. Согласно этой теории, Леонардо вдохновился изображением и поместил не только идеальные пропорции, но и самого человека в центр мироздания как образ и подобие бога. Сам Леонардо в записях, которыми он сопроводил рисунок, указал, что создал рисунок для изучения пропорций человеческого тела , каким его описывал Витрувий. Но современные теории не останавливаются только на этом. Некоторые видят в рисунке изображение женской и мужской хромосом, другие — изображение православного и католического крестов, наложенные друг на друга. Тем не менее все теории сходятся на том, что рисунок изображает единство человека и окружающего мира. Картина «Послы» была создана в году и представляет собой двойной портрет французских послов. Полотно имеет внушительные размеры — на сантиметров. Эта картина очередной раз доказывает, что религиозная ситуация в стране, нравы и политическая жизнь непосредственно влияли на творчество всех знаменитых художников. На картине изображены реальные исторические личности: слева — посол французского короля в Англии Жан де Дентельвиль , а справа — его друг Жорж де Сельв , епископ города Лавур, что во Франции. Эта картина интересна не только своей композицией, но и скрытым символизмом деталей. Так, оба человека стоят, опираясь на этажерку с двумя ярусами. На этих ярусах расположены разнообразные предметы. Верхний ярус накрыт восточным ковром, на нем располагаются такие предметы, как астрономический глобус, квадрант, гномон и другие астрономические приборы. На нижнем ярусе расположен земной глобус, циркуль, карты, лютня, книги, в том числе сборник святых гимнов. Каждый из этих предметов имеет особый символический смысл. Так, предметы верхнего яруса ассоциируются с небесным, а второго — с земным. Глобусы, карты и измерительные предметы ассоциируются с научными и географическими открытиями, которые произошли в ту эпоху например, открытие Америки и доказательство того, что Земля круглая. Детали картины даже указывают точный возраст изображенных на ней людей. Сельв опирается рукой на книгу, на которой написано, что ему 25 лет, а на узоре кинжала посла написано, что ему 29 лет. Лютня — популярный музыкальный инструмент того времени, а порванная струна на ней может символизировать церковный раскол и отделение от католической веры лютеран. В подтверждение этой гипотезы под лютней располагается сборник с церковными гимнами на немецком языке в переводе Мартина Лютера. Гольбейн специально выбрал только те гимны, которые не противоречили главным христианским заповедям , то есть не разделяли христиан на католиков и протестантов. Все это символизирует религиозные взгляды епископа Жоржа де Сельва на ситуацию в Англии он призывал реформировать церковь, но не отделяться от Ватикана. В подтверждение этому Гольбейн в верхнем правом углу картины изобразил распятие в черно-белых тонах, виднеющееся из-за зеленой бархатной занавески. Но самым символичным изображением на картине является нечто, изображенное на полу между двумя мужчинами. Если рассматривать картину как небольшое изображение, это пятно очень трудно идентифицировать и оно, скорее, похоже на какой-то дефект. Но если смотреть на картину в ее истинном размере, можно увидеть, что это человеческий череп. Его можно отчетливо увидеть, если отойти от картины на несколько метров вправо. Этот череп символизирует следующее: все, что изображено на картине, то есть власть, роскошь, должности, научный прогресс, религиозные распри — все это несущественно и бессмысленно , так как каждого в жизни ждет неизбежный конец. Кременки ул. Ленина д. Использование материалов сайта согласуется с администрацией учреждения. Разработка и дизайн сайта muzkult. На главную - muzkult. Сведения об образовательной организации Основные сведения Структура и органы управления образовательной организацией Документы Образование Образовательные стандарты Руководство. Педагогический научно-педагогический состав Материально-техническое обеспечение и оснащенность образовательного процесса Стипендии и меры поддержки обучающихся Платные образовательные услуги Финансово-хозяйственная деятельность Вакантные места для приема перевода обучающихся Доступная среда Международное сотрудничество Главная Антикоррупция Антитерроризм Пожарная безопасность! Правила и мероприятия пожарной безопасности в частном секторе и на дачных участках! Календарь событий. Живопись Интересное о живописи Некоторые известные картины имеют очень интересную, а порой даже забавную историю создания. Леонардо да Винчи долго не мог найти натурщика для образа Иуды в « Тайной вечере ». В итоге через три года поисков им стал пьяница, которого художник нашел спящим в канаве. Оказывается, термин « миниатюра » не имеет никакого отношения к маленьким размерам. Это слово происходит от латинского « minium » — название краски свинцового сурика, который имел цвет красной киновари. Такой краской писались начальные буквы текстов и рисовались мелкие иллюстрации в античных и средневековых книгах. Марселино Санс де Саутола, дочь которого первой нашла наскальные рисунки в пещере Альтамира , обвинялся в том, что это он подделал изображения. Якобы первобытные люди не могли создать шедевр с такой сложной композицией. Задолго до Малевича Алле Альфонс выставил в Галерее Вивьен свой шедевр « Битва негров в пещере глубокой ночью » — полностью черное прямоугольное полотно. Картина абстракциониста Анри Матисса « Лодка » провисела в Музее современного искусства вверх ногами сорок семь дней. За это время ее успели увидеть тысяч человек. Идея изобразить мягкие часы пришла в голову Сальвадору Дали, когда он наблюдал, как плавится на солнце сыр камамбер. Винсент Ван Гог за всю свою жизнь продал только одну картину. Эдгар Дега написал около картин с изображением балетных танцовщиц. Картину Ивана Айвазовского « Хаос. Сотворение мира », которая была написана по мотивам Библии, купил папа Григорий XVI, наградив художника золотой медалью. Внутренний мир творческих людей, например, художников, очень глубокий и сложный. Наверное, «простому смертному» трудно понять, что подталкивает их к созданию своих шедевров. Пабло Пикассо. Когда будущий художник родился, его посчитали мертворождённым. Спас младенца дядя, который, увидев мёртвого ребёнка на столе, неизвестно с какой целью пустил ему дым в лицо. Таким образом Пабло спасли. Эдвард Мунк. Произведение Мунка «Крик» стало самой дорогой картиной, проданной когда-либо с открытого аукциона. Леонардо да Винчи. Этот человек был амбидекстром — одинаково хорошо владел и правой, и левой рукой. Говорят даже, что он мог писать одновременно два текста разными руками. Но всё же большинство текстов он написал левой рукой. Сальвадор Дали. Этот художник практиковал сон с ключом в руке, сидя на стуле. Постепенно пальцы разжимались, и ключ падал в стоящую на полу тарелку. Возникшие во время дремоты или пробуждения образы и идеи Дали использовал в своём творчестве. Пьер Огюст Ренуар. Написал за свою жизнь около шести тысяч картин. Коллекционеры всех стран ежегодно тратят миллионы долларов, пополняя свои коллекции неповторимыми и уникальными шедеврами изобразительного искусства. Зачастую картины, попадающие в частную коллекцию, закрыты для взглядов простых наблюдателей. К счастью, самые знаменитые картины мира в основном принадлежат музеям. Поэтому в следующий раз, как заглянете в картинную галерею, не забудьте полюбоваться этими бесценными творениями. Полное название картины - Портрет госпожи Лизы дель Джокондо. На итальянском ma donna значит «моя госпожа», в сокращённом варианте это выражение преобразовалось в monna или mona. Считается, что на картине изображена супруга торговца шёлком из Флоренции Франческо дель Джокондо отсюда второе название - «Джоконда». Возможно, на картине Да Винчи нарисовал самого себя в женской ипостаси, или свою мать Катерину. Существует ещё много версий. Сейчас картина выставляется в Лувре , в отдельной комнате, стоившей музею семь миллионов долларов. Защищена пуленепробиваемым стеклом. Создан специальный микроклимат для предотвращения любых негативных воздействий внешней среды. В ходе подробных исследований было выяснено, что на полотно нанесены три версии картины , написанные в разное время. Очевидно, художник стремился довести своё творение до совершенства. Эксперты утверждают, что более ранние версии намного светлее и ярче современной. В году картина была похищена работником Лувра. Все поиски полиции не увенчались успехом. Картину нашли спустя два года — вор отозвался на газетное объявление директора картинной галереи. В «Джоконда» вернулась в Лувр. Картина неоднократно подвергалась вандализму - её обливали кислотой и бросали камнем, что нанесло небольшие повреждения. Попытки распылить краску и бросить глиняную чашку не принесли ущерба. Это произведение искусства бесценно, и попытка продать его принесла бы миллиардную прибыль. Оценить «Джоконду» достаточно сложно. Лувр заключил страховое соглашение на сумму три миллиарда долларов. Известнейшая картина «Девушка с жемчужной сережкой» голландского мастера бытовой живописи и портрета Яна Вермеера Дельфтского является ярким примером живописи эпохи барокко. Из-за простоты, лаконичности сюжета и отсутствия лишних деталей девушку, изображенную на этой картине, часто сравнивают с Джокондой Леонардо да Винчи и называют северной, или голландской Моной Лизой. Точная дата написания картины неизвестна. На полотне размером 44,5 на 39 см имеется только подпись « IVMeer ». Искусствоведы предполагают, что картина была написана около года. О картине «Девушка с жемчужной сережкой» известно мало. Так и осталось загадкой, кто изображен на картине, выполнялся ли портрет на заказ или нет. По одной из версий, на картине Ян Вермеер изобразил свою старшую дочь Марию , а по другой, моделью стала дочь покровителя Вермеера мецената Рюйвена. Знаменитая картина представляет собой необычный портрет. Вермеер изобразил девушку в момент, когда она поворачивает голову, будто заметив кого-то. Взгляд зрителя при этом фиксируется на ее жемчужной сережке, от этого и произошло название полотна. Рот девушки слегка приоткрыт, что в голландской живописи служило жестом обращения. На таких портретах зачастую изображали анонимных моделей по пояс или по плечи с необычным выражением лица или в необычных костюмах. К такому жанру картину причисляли современники Вермеера. В наши дни картина находится в Королевской галерее Маурицхёйс в Гааге Нидерланды , но в конце XIX века полотно находилось в плачевном состоянии, поэтому было приобретено А. Изначально фон картины был не черным, а насыщенным зеленым. Из-за влияния времени оригинальные краски фона не сохранились до наших дней. Несмотря на выцветшие краски, даже в наши дни особое внимание на картине привлекает большая жемчужная серьга каплевидной формы , блеск которой повторяется в глазах и на губах девушки. Примечательно, что похожие большие серьги Вермеер изобразил еще на восьми картинах «Женщина с жемчужным ожерельем», «Женщина с лютней», «Хозяйка и служанка» и др. Многих удивляет то, что модель, изображенная на картине, одета совершенно не по моде того времени. Тем не менее изображать экзотические элементы турецкой одежды, как тюрбан , европейские художники стали еще с XV века. Одноименный роман американской писательницы Трейси Шевалье года рассказывает о вымышленной истории создания этого знаменитого портрета. Это произведение принесло писательнице известность, а по его мотивам был снят в году одноименный кинофильм. Картина «Сикстинская Мадонна» по праву является одной из самых известных картин в мире. Вершина стиля Высокого Возрождения, самое знаменитое произведение Рафаэля, картина до сих пор вызывает множество споров среди искусствоведов. Созданная в период с по года картина размером на см предназначалась для украшения алтаря в монастыре Святого Сикста в итальянском городе Пьяченца. Заказчиком картины был папа римский Юлий II. По одной из теорий, моделью для Мадонны послужила полулегендарная возлюбленная художника Форнарина. Ее образ можно также увидеть в других картинах Рафаэля, например, «Дама с вуалью, или Донна Велата», «Портрет молодой женщины, или Форнарина». На картине изображена Мадонна с младенцем, папа Сикст II, святая Варвара и два ангела, которые снизу вверх смотрят на Мадонну. Все фигуры на картине формируют треугольник , который подчеркивается и изображенным занавесом. Эта картина стала первой, в которой зритель сам оказывается вписанным в композицию. Это происходит потому, что Мадонна изображена смотрящей прямо в глаза зрителю. Изображенный папа Сикст II также указывает рукой на зрителя, а Мадонна с младенцем смотрят в этом направлении. Фигуры изображены именно так потому, что первоначально картина располагалась напротив большого распятия , поэтому выражения лиц на картине соответствуют чувствам, которые они испытывают при виде страданий Христа. Одним из мастерских приемов Рафаэля считается задний фон картины. Издали зрителю кажется, что за спиной Мадонны изображены облака, а при близком рассмотрении можно увидеть лица ангелов. По легенде, Рафаэль создавал этот шедевр в то время, как сам переживал тяжелое горе. Именно по этому он вложил свою печаль в образ Мадонны, которую изобразил одновременно с идеальными религиозными и земными чертами. Черный супрематический квадрат кисти Казимира Малевича — одно из самых известных и противоречивых произведений искусства. Что это — проявление глубины внутреннего мира? Или просто эксперимент? Его разместили в так называемом «красном углу», где обычно размещают иконы. Существует « Красный квадрат » написан в двух экземплярах и « Белый квадрат » «Белое на белом». Есть несколько версий того, как была создана картина. Первая — что художник работал над полотном длительное время, пытался осознать суть всего сущего, предавался философским размышлениям, а о своем шедевре говорил, что видит в нем «то, что люди когда-то видели в лице Бога». Вторая версия более банальна, она утверждает, что художник якобы закрасил черной краской неудачную картину , которую готовил к выставке. В году в Париже на выставке была представлена картина поэта Пола Билхолда, которая называлась « Ночная драка негров в подвале ». Она представляла собой абсолютно черный прямоугольник. В году Альфонса Алле выставил свою картину « Битва негров в глубокой пещере тёмной ночью ». Малевич создал много копий этой картины. По разным версиям, от четырех до семи, некоторые из них размещены в Русском музее, Эрмитаже и Третьяковской галерее в России. Среди мотивов творчества знаменитого нидерландского художника-постимпрессиониста Винсента Ван Гога особое место занимали подсолнухи. С сюжетом этих растений художник написал два цикла картин, включающих одиннадцать полотен. Написанная в году, картина отражает неповторимый индивидуальный стиль художника и впечатляет своей глубиной и динамикой. AnyDayLife расскажет о художественном сюжете и обстоятельствах создания этого шедевра импрессионизма. Известнейший испанский сюрреалист написал эту картину в году. Она является отражением теории Дали о мягкости и жесткости, что являлось центральной темой его творчества в тот период. Серия картин «Водяные лилии» Клода Моне — одна из самых впечатляющих по количеству полотен. Известный французский художник писал их на протяжении около 30 лет, многие полотна этой серии являются шедеврами имперссионизма. Больше об истории создания этих знаменитых картин расскажет AnyDayLife. Ни одно произведение в истории живописи США не вызывало столько противоречивых толкований и пародий, как картина «Американская готика» , написанная Грантом Вудом в году. Картина «Американская готика» написана маслом и имеет размер 74 на 62 см. На ней изображен фермер со своей дочерью на фоне дома, построенного в стиле сельская, или плотницкая готика. Вдохновение для своей картины американский художник Грант Вуд — нашел в году в городе Элдон в штате Айова. В этом городке, в котором живет сегодня чуть больше жителей, Вуд увидел маленький домик белого цвета в стиле плотницкой готики. Художник захотел изобразить людей, которые могли бы жить в таком доме. Фон с домом и людей Вуд писал по отдельности. На картине фермер и его дочь получились с грубоватыми и непривлекательными чертами. У фермера тяжелый и вызывающий взгляд, а у его дочери, повернутой головой к отцу, взгляд полный обиды и возмущения. И все же у строгой женщины на картине из прически выбился локон. По словам художника, он хотел показать человечность персонажа. Возможно, на картине изображена супружеская пара. Сестра художника, увидев картину, была возмущена, что ее можно принять за жену человека, который двое старшее нее, поэтому начала утверждать, что на «Американской готике» изображены именно отец и дочь. Сам Вуд никогда не комментировал этот момент. В жизни же Нэнси была жизнерадостной женщиной, она знала, что будет позировать для образа старой девы, однако была все равно огорчена, что на картине получилась значительно старше своего возраста. Героев картины отличает некая пуританская сдержанность , что было характерно для реализма в европейском течении искусства «Новая вещественность» х годов. Сама же композиция картины напоминает старые американские фотографии конца XIX века. На картине фермер сжимает в руках вилы так сильно, как сжимают оружие. Символ вил можно найти и на других объектах картины, например, контур тризубца повторяют швы на одежде фермера, его можно увидеть в окнах дома и в форме цветка в горшке на заднем плане картины. Вертикальные линии вил строго соотносятся с другими линиями на картине. На картине Вуд изобразил много деталей, которые напоминали художнику о его родителях и воспоминаниях из детства о провинциальной Америке конца XIX века. Например, Байрон МакКиби действительно носил очки, только с линзами восьмиугольной формы. На картине же Вуд изобразил круглые очки, которые были у его отца и которые носил впоследствии он сам. На дочери фермера на картине Вуд изобразил вещи, связанные с его матерью. Это, например, передник с тесьмой, которую Нэнси спорола со старых маминых платьев, или брошь «Персефона», стилизованная под античную камею. Такое украшение Вуд купил для матери во время путешествия в Европу. В разные времена отношение к картине «Американская готика» менялось радикальным образом. Когда Вуд впервые представил картину в Чикагском Институте Искусств, ее приняли за « юмористическую валентинку ». После публикации картины в газетах жители штата Айова разгневались на художника, что тот изобразил их карикатуру. Критики посчитали картину сатирой на провинциальную жизнь в маленьких городках США. Сам же автор был очень удивлен, так как не подразумевал никакой сатиры, он говорил, что изобразил собирательный портрет американцев, какими он видел их в своей жизни. После Великой депрессии картину считали символом непоколебимого духа американских первопроходцев. Рисунок, который гениальный Леонардо да Винчи нарисовал в годах, до сих пор является причиной жарких споров. Наверное, нет в истории человека более талантливого и гениального одновременно, чем Леонардо да Винчи. Его изобретения на много веков опередили своё время, а картины поражают своим совершенством. Одним из таких шедевров стала фреска «Тайная вечеря». Изображает сцену последнего перед распятием ужина Иисуса Христа со апостолами. Имеет размер на см. Художник наносил «Тайную вечерю» на сухую поверхность, а не на влажную штукатурку, поэтому этот шедевр нельзя назвать фреской в конкретном значении этого слова. В процессе работы уже ничего нельзя изменять, поэтому да Винчи покрыл каменную стену шаром смолы, мастики и гипса, и уже по этому слою писал темперой. Из-за выбранного метода разрушения начались по истечении нескольких лет после окончания работы. Уже через 50 лет, по свидетельствам очевидцев, картина была в жалком состоянии. Считается, что на фреске изображён момент, когда Иисус Христос говорит о будущем предательстве одного из учеников , и реакция каждого из апостолов. Роспись содержит отсылки к числу три : ученики сидят по три человека; позади Христа — три окна; силует фигуры Иисуса напоминает треугольник. Особое внимание придавалось фигурам Иисуса и Иуды. Моделью Христа стал юный певчий, а вот натурщика для Иуды не удавалось найти почти три года. В итоге им стал пьяница , который спал в сточной канаве. Художник завёл его в трактир и сразу начал делать наброски. Ганс Гольбейн-младший — стал самым известным в семье немецких художников с этой фамилией. Он был одним из лучших портретистов своего времени. Среди самых знаменитых его работ — портреты английского короля Генриха VIII, нескольких его жен и английской аристократии. Но этот художник знаменит еще и тем, что вкладывал тайный смысл в каждую деталь на своих полотнах. Картина Ганса Гольбейна-младшего «Послы» не стала исключением. Наш адрес.

Как купить Метамфетамин через интернет Наманган

Купить Тёмный Кремёнки

Дубаи купить LSD