Тема смерти в изобразительном искусстве

Художник и смерть – это одна из вечных тем в мировом искусстве. Гениев всех времен и народов интересовало и интересует природа неизведанного. Потусторонние миры, божественная сила, тайны небытия, мистические встречи уже многие столетия остаются в центре внимания мировой культуры.

Зарождение

В европейской живописи образ смерти рождается непосредственно под влиянием идей христианства. Возможно, поэтому в большинстве ранних произведений на эту тему преобладает именно религиозная трактовка феномена смертности человека. Успение бренного тела трактуется христианством как конец земных страданий и начало нового бытия души.

В живописи в это время преобладают именно библейские темы. И смерть в ней связана прежде всего с образами Иисуса Христа и Богородицы, история земной жизни которых появляется на храмовых фресках и витражах. Первое наполненное высшим смыслом изображение мертвого тела – это распятие Спасителя на кресте.

Средневековье

В это время продолжают развиваться библейские сюжеты на гравюрах и живописных полотнах, каждый раз они получают другую трактовку и показывают смерть с особой стороны.

Например, картина Джотто ди Бондоне «Оплакивание Христа» делает акцент не столько на самом факте успения Спасителя, сколько на горе людей, потерявших любимого человека. Джотто придает особый драматизм сцене плача Марии над телом Сына. Трагическим центром сюжета становятся соприкасающиеся лица Христа и Марии: мертвого Сына и живой Матери.

Мастер резко противопоставляет жизнь и смерть. Потом, в середине XIV-XV веках, поздняя готика и Северное Возрождение сделают акцент на явных, душераздирающих признаках горя (лишившаяся чувств Богоматерь, рыдающая и рвущая волосы Магдалина), на страшных подробностях смерти. Но пока, в начале XIV века, фреска Джотто полна античной монументальности и стоически сдержанного трагизма.

Сюжетная живопись в XIV-XV веках обогатилась еще одной, совершенно особой традицией, которую стали называть словосочетанием «Danse macabre», что переводится как «Пляска смерти». Это был совершенно оригинальный жанр, который представлял собой живописный сюжет, сопровождаемый стихами. На картинках обычно изображали фигуры скелетов, танцующих с людьми. Так, по мнению авторов, должна веселиться с новопреставленными сама смерть.

Этот вид живописи приобрел огромную популярность из-за массовой гибели европейцев от эпидемий чумы, которая выкашивала населения целых городов. Страх черной смерти, не щадящей буквально никого, породил в культуре повышенный мистицизм в сочетании с ироническим и даже карикатурным отношением к тому факту, что внезапно умереть могут люди любого сословия, материального ценза, возраста. Смерть не пощадит никого и всех уравняет. Она внезапна, беспощадна и естественна.

Возрождение

На полотне Андреа Мантеньи «Мертвый Христос» дан образ Спасителя, которого только что сняли с креста и обернули в плащаницу. Перед нами и страдающей матерью Марией предстает человек с печатью мучений на застывшем лице. Смерть стала избавлением для него. Однако Мантеньи своим произведением продолжает и традиции храмовой фрески. Гибель тела у него становится преддверием вечной жизни человека, в которой автор картины не сомневается.

Примерно в это же время Ганс Гольбейн Младший пишет картину с аналогичным названием «Мертвый Христос». Тема неизбежной кончины всякого была постоянной для Северного Возрождения – и в литературе, и в изобразительном искусстве (кстати, у Гольбейна есть целый цикл гравюр на тему Плясок смерти).

Спаситель на его картине выглядит истощенным и иссушенным мучениями. Смерть для него стала милосердием, к которому пришлось идти через страдания.

Фламандский живописец немецкого происхождения Ганс Мемлинг создал триптих «Тщета земная и Божественное спасение», в котором сравниваются роскошь земного существования (обнаженная женщина на центральной панели) и надвигающаяся перспектива смерти и вечного ада (Смерть на левой створке и Дьявол - на правой). Memento mori ("Помни о смерти") - вот основа этого произведения.

XVII век и Vanitas

XVII века предложил свое решение образа смерти. Одним из наиболее интересных произведений такого рода считается картина голландца Якоба Ван Рейсдаля «Еврейское кладбище».

Иконографическая программа полотна составлена из традиционных для европейского искусства XVII века символов. Руины и сумрачные небеса над кладбищем создают подчеркнуто меланхолическое настроение. На этом фоне написаны саркофаги и высохшие деревья, которые говорят о бренности жизни, ее неизбежном конце, делающем бессмысленными все усилия человека.

Текущие воды ручья на переднем плане выглядят в пространстве кладбища абсурдно. Они включены автором в композицию как знак стремительного хода времени, подводящего человеческую жизнь к концу.

Однако художник не останавливается только на назидательном, предостерегающем напоминании о бренности и смерти. Появление в композиции радуги говорит о надежде на вечное спасение души, сбросившей оковы земного бытия.

В XVII веке в Европе, особенно Голландии и Фландрии широко распространяется жанр натюрморта vanitas. В нем предметы, представляющие красоту и многообразие земного мира, противопоставляются деталям, которые вызывают ассоциации с триумфом смерти и ее конечной победой над всем и вся.

Одним из авторов жанра был Филипп де Шампень. В своем «Натюрморте с черепом» он использовал наиболее распространенные аллегории vanitas: цветок и песочные часы - обозначают быстротечность жизни, череп - символизирует смерть.

«Портрет молодого человека с черепом» Франса Халса - в первую очередь не портрет, а напоминание о vanitas - неизбежности смерти и скоротечности жизни. Череп представляет смерть, тогда как молодой человек символизирует юность и жизненную силу.

Век XVIII и XIX

Не обошли стороной идею смерти прерафаэлиты и романтики конца XVIII – XIX веков. Они подошли к ней согласно особенностям эстетической тенденции своего времени. И те, и другие были обращены в прошлое, идеализировали его, а в смерти находили не только ужасное, но и таинственно-прекрасное. Нередко на их полотнах возникает кладбищенский пейзаж: место, где живой персонаж оказывается на границе между жизнью и вечным покоем. В этом ключе написаны пейзажи Каспара Д. Фридриха «Аббатство в дубовом лесу», «Пейзаж с совой, гробом и могилой».

Популярным в XIX веке стало творчество шотландца Джеймса Арчера, обратившегося к кельтским легендам. В частности, он написал серию работ, посвященных древним героям туманного Альбиона. Картина «Смерть короля Артура» из их числа. Умирающий Артур окружен грустными молодыми женщинами и величественной природой. Лицо его спокойно и просветлено.

В отличии от Арчера, творчество Франциско Гойа было неспокойным. В 1819-1823 годах он создал серию страшных фресок без названия на стене своего дома. Гойа пережил две ужасные болезни, из-за одной из которых он остался почти без слуха. Его страх повторения болезни, смерти и начавшееся безумие отразилось в этих фресках. На самой известной изображен Сатурн с широко открытыми глазами, съедающий своего ребенка - не зря произведение считается одним из самых пугающих за долгое время.

Интересная и в некотором плане продолжающая жанр vanitas картина Ван Гога «Череп с горящей сигаретой», на которой в приглушенных монохроматических цветах изображен дымящий сигаретой череп. Значение картины остается двусмысленным - либо она серьезно намекает нам на краткость жизни, либо подшучивает над современным академическим искусством.

Живопись XX века

XX век - кровавый век войны, мир потрясли ужасные мировые войны и другие социальные катаклизмы.

Графика модерниста Макса Клингера становится выражением темной стороны человеческого «я». Целый ряд картин Клингера посвящен некрофилии. Его работы переполнены изуродованными и расчлененными телами, скелетами, убийцами и их жертвами. Это уже не столько пляска, сколько пир смерти, мир, скатившийся на дно инфернального безумия.

Произведения Фриды Кало в принципе пронизаны ощущением боли и близкой смерти. Картина "Раненый олень" - одна из самых запоминающихся - стрелы пронзающие животное, сломанная ветка, темные аллеи - все показывает ее тяжелый душевный настрой. Фрида Кало переболела полиомиелитом в детстве, попала в ужасную аварию в 18 лет, после которой пережила множество операций, а еще бесплодие и выкидыш, так что перед смертью Фрида сказала, что надеется сюда больше не вернуться.

Настоящее, XXI век

Тема смерти особенно остро стоит в современном мире. Но, как это ни удивительно, находятся художники, которые своим творчеством стремятся не накалить атмосферу, а, напротив, разрядить ее.

Пример тому – творчество Сергея Загаровского и его серия картин под названием «Белая». Это зарисовки о буднях маленькой девочки смерти, но у нее есть семья и настоящее детство – с играми на лужайках, котятами, бабочками, птичками и выговорами взрослых. Она милая и добрая, готова всем помочь и всех спасти.

Миссия ее семьи – вовремя переправить людей из этого мира в другой, помочь им в очень важном переходе. И Беленькая тоже помогает родителям, а после работы снова играет и смеется. Картины С. Загаровского производят потрясающе светлое впечатление и рассеивают ужас от бытия, который так усердно нагнетают многие другие деятели современного искусства.

Очень часто в современном мире художники описывают свое отношение к смерти через инсталляции, шоу, необычные формы искусства, и граффити - не исключение. Бэнкси - анонимный художник известный всему миру, в своих произведениях старается донести мысль, что одна из главных задач искусства - напомнить человеку о его смертности.

Большая часть информации была взята с https://danila-master.ru/articles/kak-izobrazhayut-smert-zhivopiscy-raznyh-vekov.html

Специально для https://t.me/wearemortal