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Photo de couverture : ©Dominik Eulberg

Qui sont ces artistes électroniques qui composent et trouvent l’inspiration en pleine nature ?

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À l’ère de l’urbanisation massive, de la mondialisation des hommes et des données et de l’hyper-connexion, le besoin de renouer avec une nature un peu délaissée se fait de plus en plus ressentir. La scène musicale n’échappe pas à ce sursaut car on y observe de nombreuses initiatives écologiques ou tournées vers la nature, à l’image des soirées JARdin GROLSCH_llandais. A la quête d’aventure, d’expériences de vie unique, ou de sources d’inspiration, les artistes aussi ont aussi ce besoin de (re)découvrir la nature. Emportant avec eu leur studio itinérant, ils quittent pour un temps la civilisation pour y revenir avec des œuvres singulières qui s’inscrivent dans une réflexion globale sur la place de l’homme au sein de son environnement.
Molécule a toujours été un citadin. Devenu père, il se sensibilise peu à peu à la question environnementale qui transparait dans sa démarche artistique lorsqu’il décide de s’extirper de la civilisation pour ces deux derniers projets en date. Après un premier album électronique 60°43’ Nord , composé sur un chalutier à la dérive en mer du Nord, l’artiste français s’exile à nouveau en 2017 pour une expérience unique à Tiniteqilaaq, au Groenland. Pendant 36 jours il se plonge au cœur de la banquise et enregistre la nature autour de lui, entre craquements de la glace, sifflement du vent et hurlements des chiens de traîneau. À la fin de son séjour, le musicien revient avec un nouvel album-concept -22,7° .
Pour Molécule, le voyage est « un moyen de se reconnecter à la nature » dans ce qu’elle a de plus brute, de plus brutale – témoignage qu’il nous confiait lors d’une interview dans le Trax #203 spécial fêtes techno du bout du monde . « L a banquise est une sensation assez effrayante, c’est très instable, ça peut craquer à tout moment, et il y a beaucoup d’accidents. » Cette expérience est aussi l’occasion d’un retour à soi, d’un voyage intérieur : « quand on enregistre du silence sur la banquise, on est en connexion avec un désert blanc, et on va au plus profond de soi. »
Dans une optique différente, Dominik Eulberg insuffle lui aussi de l’organique dans ses sets techno en les parsemant de chants d’oiseaux enregistrés dans la réserve naturelle où il vit, perdu dans les bois. Pour le producteur, faire de la musique dans et avec la nature a toujours été une évidence, elle ne rime pas avec aventure et danger, mais avec contemplation et hédonisme. La Nature est pour lui le moyen de partager sa deuxième passion pour l’ornithologie. Dans une interview il raconte « je me suis passionné pour la nature bien avant de m’intéresser à la musique, mais pour moi les deux sont très liés : les oiseaux sont les musiciens les plus populaires de la nature. Ils existent depuis des millions d’années. Ils font de la musique depuis bien plus longtemps que nous et c’est sûrement en les imitant que nos ancêtres ont commencé à en faire ».
Pour d’autres artistes encore, la nature sonne comme une invitation au voyage et aux rencontres. La musique a ce don merveilleux de faire voyager, mais on est parfois lassé de ces tracks qui nous promettent le voyage à grands coups de samples « naturels » surutilisés qui, la plupart du temps, sortent d’un simple clavier MIDI. Qu’en est-il de la musique électronique qui a vraiment voyagé ?
Avec son premier album Transsiberian , Thylacine emporte l’auditeur dans sa valise pour une périple de 160 heures au cœur des forêts et plaines désertiques de la Russie orientale. L’objectif du jeune producteur : « se nourri de lieux, de gens, de rencontres […] Je ne suis pas forcément productif quand je suis enfermé dans un studio ». Mêlant électro, voix et bruitages enregistrés en route, son album appelle à l’évasion, à la découverte d’un ailleurs.
Pourtant la nature n’est pas forcément ailleurs, elle est là, à quelques kilomètres de la ville, ou même dans un parc, un jardin. La scène électronique japonaise a été pionnière dans le mouvement de la « biomusique » et dans la technique du « field recording » . Des œuvres, comme Water 1991 de Nakajima (Aube) ou le LP Ful de Tsunoda et Sato, qui étaient passés assez inaperçues à leur sortie en 1996, sont depuis devenues des classiques de la musique expérimentale. Les jardins, l’océan, les volcans : tout dans la nature japonaise est une invitation à la contemplation, et s’inscrit dans une démarche spirituelle plus large. « Les Japonais sont admiratifs et ont du respect pour la nature , estime le compositeur Sugai Jen. N ous comprenons qu’il faut cohabiter avec elle, et non la contrôler. »
La soirée JARdin GROLSCH_llandais occupera le Hasard Ludique le 5 juillet prochain en compagnie du collectif Boukan Records. Pour plus d’informations, rendez-vous sur la page Facebook de l’évènement .
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Écrit par 
Caroline Goullioud













Publié le 23/06/2017 à 18h56, mis à jour le 26/06/2017 à 14h02




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Vous vous sentez une âme d’artiste mais ne savez pas comment l’exprimer ? A travers un cahier d’inspiration, vous pourrez créer, au jour le jour, le monde qui vous enchante et n’appartient qu’à vous… Une façon simple de se découvrir et de se révéler, dans un cadre où tout est possible.
Les créateurs procèdent ainsi spontanément : ils ne laissent pas passer l’inspiration. Parce qu’elle surgit partout, au détour d’une rue, d’une lecture, d’une phrase, d’une forme, d’une couleur, d’une matière, d’une attitude, elle est tout aussi volatile : on ne prend que rarement le temps de s’y arrêter, d’en prendre conscience, de voir où elle nous mène, happés par nos obligations incessantes qui nous en détournent aussitôt.
La retenir, comme on saisit une chance, permet de la faire fructifier, à notre façon . Comme une conversation où des points de vues s’échangent, se nourrissent les uns des autres et nous éclairent mieux sur nous-mêmes et sur le monde, nous aident à le réinventer et à y trouver notre place.
Ainsi, les créateurs – peintres, designers, architectes, écrivains, couturiers…- ne sortent jamais sans de petits carnets où retenir tout ce que leur imagination transfigure au premier regard ou dont ils pressentent un potentiel encore endormi.
Photographier ses sources d’inspiration fait autant partie de ce processus de « captage », d’appropriation.
C’est le principe des cahiers d’inspiration, qui font feu de tout bois pour se remplir, dès lors que notre curiosité, notre sens esthétique, notre besoin d’harmonie (qu’il tende vers un joli fouillis ou une rectitude limpide), s’en trouvent nourris, et que s’organisent nos « paysages choisis ». Etayés de citations, de souvenirs, de projets et de rêves.
Car nos rêves, c’est nous. Un « nous » parfois méconnu, incertain, timide, complexe, qui dans cette composition va se structurer pour nous renvoyer en miroir notre « moi idéal » et nous autoriser à l’incarner.
Le cahier d’inspiration est l’outil parfait des personnalités qui mettent de la beauté et de la poésie dans leur vie de tous les jours, en décorant leur maison, en préparant un plat, en personnalisant une chambre d’hôtel, en emballant un cadeau… Et ne s’inquiètent pas d’être « nulles », ne se comparent pas (à Picasso ou à la voisine).
Dans celui de Léo, qui aujourd’hui dessine des tissus, il y a des reproductions de tableaux dans lesquels les vêtements et les tentures sont remarquables (Vuillard, Vélasquez, Schiele, Klimt, Delaunay par exemple), ou les couleurs merveilleuses (Delacroix, Matisse, Bonnard, Rothko…). Autour de ces images et au fil des pages, Léo a reproduit, très simplement, les imprimés et les palettes de ces peintres inspirants. Elle a collé des bouts de tissus dans les matières dont elle imaginait les étoffes des modèles. On trouve dans ses cahiers les photos d’habitats lointains et colorés, de plantes graciles et d’oiseaux exotiques : difficiles d’imaginer plus beaux motifs que les dessins de leur plumage ! D’ailleurs, les grands couturiers les ont à coup sûr imités pour créer leurs plus somptueuses collections.
C’est en s’amusant à composer ces cahiers que Léo a trouvé sa vocation : à partir de ses recherches, de ses compositions et de ces heures d’immersion, elle a fini par inventer ses propres motifs. Parce que dans ces moments de création absolument libres, elle a pris confiance en elle. Et s’est autorisée à légitimer sa passion.
C’est pendant sa grossesse que Julie, artiste dans l’âme , a ressenti le besoin de donner vie à ses mondes intérieurs, tout imprégnés de sa Russie natale, de sa curiosité, de son esprit enfantin et de ses doigts de fée. Elle rempli des dizaines de « carnets de création » par thèmes inspirants (et ils sont nombreux). Dans notre diaporama, vous pouvez découvrir ses merveilles « volées » sur son compte instagram et son blog julieadore
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S’il est un domaine où l’on peut supposer que l’émotion joue un rôle fondamental, c’est le domaine de l’art. Qu’il s’agisse de littérature, peinture, sculpture, chorégraphie, musique ou toute autre forme d’art, le moteur semble en être quelque chose d’un peu mystérieux, qui reposerait tout à la fois, sur la sensibilité, la pensée, l’inspiration, l’intention et l’expression des émotions…

Pour en savoir plus sur le rôle des émotions et comment mieux les apprivoiser en milieu professionnel, participez à nos workshops Développer son intelligence émotionnelle par le mouvement

Par Valentine Malan | 2020-07-03T15:08:57+02:00 mardi, juillet 30, 2019 | Formations Leadership | Commentaires fermés sur Les artistes, sources d’inspiration dans la gestion des émotions ?

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Accompagner les chorégraphes et les managers de projets chorégraphiques et artistiques dans leur professionnalisation
Accompagner les organisations dans le développement du leadership de leurs talents par la mise en mouvement
Une expérience inédite, créatrice de liens, où vos collaborateurs se mettent dans la peau d’un chorégraphe.
Nous conseillons les organisations dans la conception et la réalisation d’événements chorégraphiques innovants sur scène, pour la vidéo, comme pour des lieux insolites
Artistes : Claire Chastaing, Lola Lefèvre, Roxane Ouazana – Extrait : Co-Pulation, de Fu Le – Photo : Emmanuelle Stäuble
On s’aperçoit très vite que les sources d’inspiration ne sont pas les mêmes selon les artistes et que beaucoup de chemins mènent à Rome ! Le chorégraphe François Verret confie qu’ « il n’y a que les émotions qui m’intéresse » alors que Trisha Brown disait : « Je cherche le mouvement pur, je ne fais pas de différence entre la danse et sa forme, je n’ai pas de message à faire passer ». L’émotion pourra être fondamentale pour l’un et plus futile pour un autre.
Quels que soient les courants ou les remous de l’histoire de l’art, toutes les postures n’ont jamais cessé de cohabiter. Parce qu’elles tiennent à l’humain et que l’humain, c’est la multiplicité des sensibilités, au-delà des modes. Alors, de l’expression la plus profonde de l’être, à l’abstraction la plus pure, chaque artiste fait le voyage qui lui ressemble le plus, qu’il soit en deçà, en plein milieu, ou au-delà des émotions. A travers trois jeunes chorégraphes actuels, on peut remarquer cette diversité de postures contrastées : « Moi, c’est le rapport entre la danse et la musique qui m’intéresse » explique Louis Barreau. Alors que pour Ambra Senatore : « ce qui [m’]intéresse c’est l’humain, la relation à l’autre », Anne N’Guyen, elle, « voyage entre l’abstraction et la place de l’humain dans le monde contemporain ».
Christine Bastin, chorégraphe et directrice artistique de La Fabrique de la Danse, nous livre sa propre perception des émotions : « Oui, je crois bien que les émotions ont une part immense dans ma danse, parce que c’est l’humain qui m’intéresse, l’humain inépuisable et sa mise en écriture dans une danse qui tente de le contenir tout entier. C’est le grand jeu entre l’éthique et l’esthétique. Au départ, on ne sait pas vraiment sur quoi on prend appui. On sait seulement qu’on a besoin de créer, et c’est tout l’être qui est mobilisé, exactement tel qu’il est. Et c’est bien mystérieux ce que l’on est… Un fatras d’émotions, de pensées, d’histoires, un corps éponge, une peau-frontière d’où entrent et sortent tant de choses. Alors on passe à l’action, on tire le fil, on entre presque dans une forme d’insensibilité, un état de non-émotion, qui permet l’analyse et la transcendance de tout ce qui nous habite… Et puis on a terminé. Et on découvre ce que l’on a fait. Et l’émotion ressurgit… une autre ! »
L’émotion de l’artiste est une chose, celle de l’œuvre en est une autre. L’œuvre vit sa vie, elle « dégage » quelque chose indépendamment, quels que soient les désirs premiers de son créateur. « C’est une sorte de parfum immatériel, que le spectateur respire ou pas, selon ce qu’il met en œuvre de lui, quand il est face à l’oeuvre. Ça peut être un élan du corps, du cœur, de la pensée, une émotion esthétique, une espèce ‘d’innommable’ qu’on va parfois tenter de ‘nommer’, sachant qu’aucun discours ne pourra jamais la cerner tout à fait ! » s’exclame Christine Bastin.
Le peintre Kandinski nous livre la façon merveilleuse qu’il a de regarder l’œuvre picturale (et pourquoi pas toute œuvre ?) et comment elle le touche : « Il s’agit de laisser agir sur soi les couleurs et les formes pures, qui produisent d’abord un effet phy
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