Мадонна Литта

Эпоху Высокого Возрождения, продлившуюяся менее полувека, называют периодом расцвета итальянской культуры. В списке её титанов и безусловных гениев имя Леонардо да Винчи — на первом месте. «Мадонна Литта», законченная художником в 1491 году, — одно из лучших творений миланского периода, воплощение величия, гармонии и красоты Золотого века. При дворе развращённого деспота и талантливого градоначальника Лодовико Сфорца да Винчи провёл около двух десятков лет. Его живописное и музыкальное дарования были востребованы в гораздо меньшей степени, чем талант инженера, изобретателя, военного консультанта, мастера фейерверков, организатора праздников. Больше всего времени, душевных и физических сил в тот период отняла у него выполненная из бронзы конная статуя Франческо Сфорца, отца Лодовико. Именно она, а не прославленная фреска «Тайная вечеря» и великолепные живописные полотна вызвали наибольший резонанс в миланском обществе.

Решение отца Леонардо, преуспевающего нотариуса, перевезти в свою семью трёхлетнего незаконнорожденного сына, забрав его у матери-простолюдинки, никоим образом не сказалось на трепетном отношении к ней будущего художника. Тёплые воспоминания о той, что дала ему жизнь и свою безграничную любовь, сделали тему материнства сквозной в творчестве Леонардо. В изображениях мадонн он гармонично сочетает основополагающие принципы христианской и светской живописи. Примером тому может служить и «Мадонна Литта».

Прекрасная молодая мать кормит грудью малыша, гипертрофированность фигуры которого традиционна для картин с религиозным сюжетом. Леонардо отождествляет вскармливание ребёнка с процессом постижения сыном божьим души человека. Щегол с красным оперением, сжимаемый левой ручкой младенца Христа, символизирует пролитую им кровь, ожидающие его страдания, христианскую душу. Существует ещё одна интересная версия относительно образа щегла. На итальянском название этой птицы звучит как Cardellino. Оно имеет общую основу со словом Cardinale, которое переводится как кардинал. Красная макушка щегла может символизировать дзуккетто или пилеолус — шапочку красного цвета, которая служит кардиналам повседневным головным убором. В данном случае красный цвет сообщает о решимости пожертвовать своей кровью и жизнью во имя веры. Использование определённых цветов также наполнено определённым смыслом. Оттенки золота на отворотах одеяния — олицетворение чистоты, голубой или лазурный — непорочность и размышление о Боге, пурпурный — атрибутивный цвет Святой девы. Флорентийские живописцы очень часто использовали эту цветовую гамму в своих полотнах.

Несмотря на обилие религиозных символов святость образов и сюжета не акцентируется. Картина воспринимается как гимн огромной материнской любви и нежности. Профильное изображение лика Мадонны — в духе светского портрета обычной земной женщины (хотя чуть более распространённым считался трёхчетвертной вариант). По канонам церковной живописи такой поворот головы был бы невозможен, так как он избирался для таких героев, как Иуда. Тем самым подчёркивалась их безличность и бесовское начало. Ассоциативный отсыл к манере первого наставника — Андреа Верроккьо — чуть опущенная голова Мадонны, что свидетельствовало об её скромности и уравновешенности. Еле угадываемая улыбка на её немного грустном лице, характерная для многих персонажей на полотнах Леонардо, — также поклон учителю, изваявшему бронзовую статую Давида, на лице которого видна такая же полуулыбка.

Аскетизм тёмного фона и симметричность композиции, создаваемой двумя арочными окнами, лишь подчёркивает это ощущение. Внешний мир представлен подёрнутым голубой дымкой горным пейзажем. Далёкий и холодный, он лишь подчёркивает нежность и теплоту образа матери. Младенец находится на пороге важного для него периода — отлучения от материнской груди. Решение уже принято, специальные разрезы на сорочке зашиты. Ребёнку эта ситуация даётся с трудом. Видя его переживания, мама распарывает один из разрезов (о чём свидетельствуют обрывки нитей), чтобы малыш смог утолить свой голод.

В этой картине использован разработанный Леонардо приём сфумато («рассеянный»), заключающийся в нанесении прозрачных красок на сверхтонкий слой светлого грунта. В результате форма смягчается и моделируется светотенью, возникает рельефность и даже объёмность изображения, как это происходит с лицом и фигурами прекрасной молодой женщины и младенца Христа. Намеренно сгущённый тон тёмного фона делает их ещё объёмнее, ещё больше выдвигая на передний план. Сохранить разрушающуюся от времени картину удалось в момент её передачи в коллекцию Эрмитажа при помощи перенесения на холст с деревянной поверхности. Расположение фигур аналогично древнейшему изображению Богоматери на фреске, найденной в римских катакомбах.

Судьба картины столь же необычна. Причиной её появления стал заказ одного из знаменитых аристократических родов — Литта. Там же она и оставалась долгое время. Волею судеб один из потомков знаменитой семьи — Джулио Ренато — оказался в России. Рыцарь мальтийского ордена получил генеральский чин в совсем молодом возрасте, в 26 лет. Джулио Ренато стал Юлием Помпеевичем. При Павле I принял русское подданство, получил графский титул, был назначен шефом Кавалергардского гвардейского полка. Его женой стала одна из первых красавиц Петербурга Екатерина Скавронская. После её смерти, по предположениям историков, имел место роман между ним и его падчерицей, Юлией Самойловой. Неудивительно, что большую часть огромного состояния Юлия Помпеевича, в том числе и «Мадонну Литту», после его кончины унаследовала именно она. Многие годы в неё был влюблён Карл Брюллов, воплотивший пленительный образ во многих своих полотнах. На склоне жизни, переехав в Италию прекрасная дама утратила большую часть состояния.

«Мадонна Литта» была продана Эрмитажу в 1865 году за 100 тыс. франков герцогом Литта, одним из потомков Юлия Помпеевича.

Оригинал