Акварель

Акварель (фр. Aquarelle — водянистая; итал. acquarello) — живописная техника, использующая специальные акварельные краски, при растворении в воде образующие прозрачную взвесь тонкого пигмента, и позволяющая за счёт этого создавать эффект лёгкости, воздушности и тонких цветовых переходов. Акварель совмещает особенности живописи (богатство тона, построение формы и пространства цветом) и графики (активная роль бумаги в построении изображения, отсутствие специфической рельефности мазка, характерной для живописной поверхности).

Акварель в России

История развития русской акварели.

История акварели в России начинается с ХVIII века – ею пользовались при «иллюминировании» гравюр и архитектурных проектов.

В работе акварелью предельно раскрывается темперамент художника, обнажается самый нерв еготворческой индивидуальности – чувство цвета, степень и характер колористической одаренности. Именно поэтому история акварели демонстрирует обилие направлений, богатство самостоятельных манер, стилей и почерков, будто соревнующихся в своей неповторимости. Наряду с яркими достижениями больших мастеров, обозначающими вершины ее возможностей, чрезвычайно важна и общая культура акварели, создаваемая трудами широкого круга профессионалов, а иногда и просто любителями и отражающая мироощущение поколения.

Большую роль в развитии акварели в России играл пейзажный жанр. Важной линией в формировании акварельного пейзажного жанра стали архитектурные виды и фантазии – ведуты, – исполненные архитекторами. Акварельный пейзаж получил широкое распространение как в кругу профессиональных художников, так и среди любителей.

Интенсивность и плодотворность развития акварели зависела от степени ее востребованности, от того, насколько ее язык соответствовал эстетическим категориям эпохи. В эпоху романтизма акварель впервые по-настоящему обретает самостоятельность. В ранг ведущего жанра того времени был выведен портрет. Художественные образы, созданные мастерами первой половины ХIХ века не только воплотили, но и сформировали представления об идеале эпохи.

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

Родиной разновидности акварели, получившей распространение чуть позже, была Италия. В итальянской акварели художник пишет «по-сухому». Тона накладываются один на другой постепенно, после просыхания предыдущего слоя, мазками, градации цвета усиливаются от светлого к темному. Итальянскую акварель отличали звучное многоцветие, пластичность, яркость и напряженность колорита. Проводниками «итальянской манеры» стали члены обширной русской художественной колонии в Риме, пенсионеры Академии художеств, и прежде всего – К.П.Брюллов.

Первое имя в летописи русской акварели, которое по праву зачинателя и уровню мастерства необходимо назвать — Петр Фёдорович Соколов (1791—1848). Он исполнял портреты, сцены охоты, жанры, запечатлев лик своей эпохи и своих современников.

Акварелью, в портрете и жанре, работали живописец Карл Брюллов (1799—1852) и его брат — архитектор Александр Брюллов (1798—1877). Акварелисты Василий Садовников (1800—1879) и Людвиг Премацци (1818—1891), рисовали императорские дворцы и пейзажи загородных резиденций.

Акварельные портреты Соколова

Ранние работы родоначальника жанра П.Ф.Соколова раскрывают свое происхождение от портретной миниатюры – в характерном малом формате, овальной композиции, особой трактовке пространства листа. Со временем эта связь утрачивается, изображение осторожно осваивает всю плоскость бумажного листа, мазок становится широким, свободным и разнообразным, краски – прозрачными, легкими. Выполненные за один сеанс, работы Соколова 1820-х – начала 1830-х годов полны тонкого обаяния дружеского диалога между художником и моделью.

Акварельные портреты Брюллова

Другая самостоятельная линия акварельного портрета представлена творчеством братьев Александра и Карла Брюлловых. Скромному обаянию моделей Соколова противостоят поза, артистический жест постановочных картинных брюлловских портретов, всегда, даже при камерных задачах, сохраняющих репрезентативность.

Характеристика модели у Брюллова поддержана многоголосием аксессуаров: узором переливчатых складок тканей, ажурным рисунком кружева, игрой фактур. Гордость собрания Третьяковской галереи – шедевры кисти К.П.Брюллова: большие парадные портреты Г.Н. и В.А. Олениных (1827), М.И.Бутеневой с дочерью Марией (1835). Мастер жанровых сцен и пейзажей, Брюллов виртуозно вводит их элементы в портрет. Такая форма и усложняла живописную задачу, и одновременно позволяла в полной мере проявиться мощному колористическому дару художника, раскрепощала его «пылкий художнический темперамент и плодовитое воображение».

«Библейские эскизы» Иванова

Уникально акварельное наследие А.А.Иванова. Это непревзойденный еще рубеж мастерства владения техникой и абсолютное выражение ее сути. К акварели художник обратился, обладая уже большим опытом в живописи маслом. Даже первые его графические работы («Жених, выбирающий серьги невесте», 1838; «Октябрьские праздники в Риме», 1842) поражают смелостью и совершенством. Чувствуется восторг художника перед открывшимися возможностями. Для Иванова акварель – это техника живописных исканий, обретения нового цветового и светового решения пространства. Написанные быстро, «на одном дыхании» натурные пейзажи середины 1840-х – 1850-х годов («Море у берегов Неаполя», «Лодки», «Вода и камни»), позволяют зрителю прочувствовать процесс рождения изображения от первого и до последнего движения кисти.

Тема многих акварелей Иванова – солнечный свет. Словно осознавая уникальность художественной задачи, мастер отмечал произведения подобного рода специальным пояснением: «исполненные на солнце». Акварель «Терасса, увитая виноградом» представляет знаменитый «экспериментальный» альбом Иванова, составленный изпочти монохромных натурных зарисовок. В них ослепительный солнечный свет, воплощенный в сияющей белизне листа бумаги, своевольно меняет форму и цвет предметов, обобщает очертания, создает эффект подвижной световоздушной среды, трепещущей, переливающейся материи.

Вершиной творчества Иванова несомненно являются его «библейские эскизы». В условности акварельной техники, в принципиальной незаконченности высказывания, свойственной природе эскиза, художник находит соответствие своему замыслу. В библейских эскизах нет единообразия технических приемов – они варьируются, сочетаются и рождаются заново в связи с той или иной живописной задачей. В одних листах краски почти нематериально прозрачны, в других – акварель становится многослойной и приобретает плотность и весомость звучания. В композициях, исполненных на темных бумагах, эффект завораживающего внутреннего свечения достигается применением белил.

Перемены в иерархии основных жанров акварели

После почти одновременного ухода с художественной сцены выдающихся мастеров-акварелистов П.Ф.Соколова, К.П.Брюллова и А.А.Иванова акварель переживает очень сложный период, отмеченный серьезными изменениями в понимании задач и предназначения искусства, наметившимися в обществе. Утонченная эстетика и изысканная культура акварели с условностью и артистизмом ее языка в 1860-е годы не вполне соответствовали тем социальным задачам, которые выдвигались новой художественной эпохой. Позиции акварели оставались непоколебимыми лишь в таких традиционных для нее областях применения, как видовой ландшафт, «итальянский жанр», костюмированный портрет. Здесь заботливо сохранялись традиции, профессионализм исполнения.

Одновременно большие перемены происходят в иерархии и бытовании основных жанров акварели. Акварельный портрет и интерьер как непременные атрибуты дворянского быта сталкиваются с появлением модного конкурента – даггеротипа, а затем фотографии, которая постепенно замещает их «документальные» функции. Камерный акварельный портрет почти перестает быть заказным, он входит теперь в «рабочий» круг жанров, где происходит поиск иных средств выразительности, исподволь формируется иной язык акварели.

В середине XIX века акварель осваивает новые сферы применения – натурный этюд, иллюстрация, критический бытовой жанр, сатирические зарисовки. В эскизах и этюдах картин художников-передвижников естественный и даже неизбежный эффект незаконченности начинает осознаваться как особое преимущество техники, важный эстетический прием.

В 1870-е годы молодое поколение художников как бы заново раскрывает возможности акварели. Она не публична, это – техника «для себя», дающая абсолютную свободу самовыражения. Так, совершенно непривычного, «неизвестного» Крамского являют нам его пейзажные «Калитка в саду» (1874), «Деревенский дворик во Франции» (1876), «В роще Медон близ Парижа» (1876), «Гапсаль» (1878). Трудно поверить, что жизнерадостные, многоцветные работы, исполненные вдохновенно и артистично, принадлежат кисти художника, которого в живописи отличают рассудительность, эмоциональная сдержанность, скупая, почти аскетичная цветовая гамма. Поражает не столько даже «несвоевременность» этих маленьких шедеров, их несоответствие живописной манере Крамского-художника и системе взглядов Крамского – теоретика искусства и общественного деятеля, сколько сама мощь его колористической одаренности, не нашедшая выхода в живописной практике.

«Психологический пейзаж» в акварели

С 1860-х годов очень интересно выстраивается линия развития пейзажа в сепии, представленная работами Л.Ф.Лагорио, А.П.Боголюбова, Ф.А.Васильева и И.И.Левитана. Их объединяют благородство и артистизм исполнения, основывающиеся на бесконечном разнообразии приемов владения кистью, характере ее прикосновений к бумаге, на различной степени проработки поверхности и нагруженности красочного слоя. Для многих мастеров-передвижников обращение к акварели было единичным, эпизодическим. Однако в акварели результаты их художественных поисков проявляются раньше или прочитываются яснее. Так, сопоставление работ И.И.Левитана и В.А.Серова 1890–1900-х годов позволяет уловить тот момент в истории пейзажа, когда в акварели рождается «психологический пейзаж», передающий состояние природы, ее настроение – «нежную, прозрачную прелесть русской природы, ее грустное очарование»

Во второй половине XIX века, в ряду акварельных произведений выделяются листы, исполненные Михаилом Клодтом (1832—1902), маринистами Львом Лагорио (1828—1905) и Александром Беггровым (1841—1914). Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин (1844—1930), Михаил Врубель (1856—1910), Валентин Серов (1865—1911).

Феномен «чистяковской школы»

Мощный импульс в постижении особенностей языка акварели и осознании ее эстетических возможностей дает введение изучения этой техники в программу высших художественных учебных заведений.

Во многом новый взлетв акварельной живописи на рубеже ХIХ–XX веков связан с деятельностью П.П.Чистякова, он был осуществлен его учениками – В.И.Суриковым, В.А.Серовым и М.А.Врубелем. Феномен «чистяковской школы» заключается в непохожести вышедших из нее художников. Чистяков обладал особым даром выявлять и развивать индивидуальные черты, манеру письма каждого из них, «указать путь» (по выражению Сурикова).

Эволюция акварельной манеры Сурикова

В художественной системе Сурикова, а может быть, и в его жизни акварели отведено особое место. В этой технике он постоянно работал на протяжении почти 50 лет. Эволюция его акварельной манеры очевидна. Ее начало обозначено Сибирским циклом, исполненным летом 1873 года до занятий у Чистякова. Эти пейзажи объединяет строгость колористического решения, построенного на синевато-зеленых, «не знающих солнца» оттенках, «словно подсказанных художнику самой суровой сибирской природой». Серия итальянских акварелей 1883–1884 годов – шедевры акварельной манеры Сурикова. Ему подвластны жемчужное марево утреннего света, играющего на белых стенах соборов, слепящая яркость помпейских фресок, буйство красок карнавала. Он пишет и «воздушной, паутинной кисточкой», прозрачными тонами, едва прикасаясь к бумаге, и слоистыми лессировками, и короткими, «дерзкими» ударами кисти, и широкими переливчатыми затеками. Другая знаменитая серия акварелей – испанская – создана в 1910 году во время совместного европейского турне В.И.Сурикова и П.П.Кончаловского. Естественно возникшее между ними соперничество было не просто соревнованием двух замечательных колористов, представителей разных поколений, но плодотворным для обоих столкновением разных художественных систем. Акварель Сурикова, будучи очень чутким инструментом, впитывает в себя черты искусства Нового времени. Экспрессия цвета, его эмоциональная напряженность, острота диссонирующих сопоставлений, культ незаконченности меняют его акварельную систему: он пишет размашистыми движениями кисти, широкими свободными заливками по влажной бумаге, доводя «красочную звучность акварели почти до парадокса, до перенапряжения». Таковы «Севилья», «Бой быков в Севилье».

Акварель Серова

В творчестве младших учеников Чистякова – Врубеля и Серова – акварель обретает значительность, сопоставимую с их живописными произведениями. Работая буквально рядом, «рука об руку», каждый из них прошел собственный путь в акварели. Одаренный одинаково щедро талантом рисовальщика и колориста Серов выработал такую систему письма акварелью, где линия и цвет неразделимы. Он видел предметы обобщенно, воплощая их на листе бумаги как лаконичные пластические формулы, одним движением кисти моделировал форму и сообщал ей цвет. По своей природе акварель Серова тяготеет к графике, подчиняясь законам этого вида искусства в отношении к поверхности листа, принципам построения пространства и формы, степени условности языка. Колористическая гамма работ художника сдержана, построена на множественности тончайших градаций тона, разнообразии нюансировок и оттенков, ее благородный серый цвет способен выразить все цветовое многообразие мира.

Акварельная манера Врубеля

Врубель обладал редкой предрасположенностью к работе акварелью. Поразительно, что уже его первые акварельные опусы «Голова девочки (1882), «Е.М.Бем, сидящая в кресле» (1882), «За кружкой пива» (1883), исполненные в период обучения в Академии, лишены налета ученичества, выдают руку прирожденного акварелиста. Художник мгновенно осознал огромные перспективы, которые открывала именно его художественным потребностям акварельная техника. Акварельная манера Врубеля очень разнообразна: в «Персидском принце» (1886) он выслаивает пространство листа мельчайшими, тщательно нюансированными по цвету мазками, скрупулезно следующими форме; в «Портрете артистки Т.С.Любатович» (1890-е) создает изображение крупными пятнами, вольными затеками, словно подчиняясь прихотливому течению краски. В своей знаменитой «Розе» (1904) Врубель вдумчиво конструирует форму, словно стремясь проникнуть в тайны строения натуры, передать энергию тугих лепестков распускающегося цветка. В почти лишенных цвета монохромных иллюстрациях к «Демону» М.Ю.Лермонтова (1891), бесконечно варьируя приемы нанесения краски, сгущая ритмы разнообразных по тону пятен, Врубель создал особую вибрирующую подвижную среду – аналог поэтической материи лермонтовского текста. Выбор «стиля» определился лишь требованиями конкретного замысла, художественного образа.

«Общество русских акварелистов»

Возрождение всеобщего интереса к акварели произошло в последние десятилетия XIX века. Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Регулярные акварельные выставки, создание «Общества русских акварелистов» (1887) способствовали широкому распространению техники, повышению ее статуса. Программа Общества не имела идеологической направленности, в его составе мирно уживались представители разных направлений, объединенные увлеченностью искусством акварели. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896—1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Логарио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие. Задачу сохранения и передачи традиций акварельной школы начала XIX века и подготовки почвы для нового взлета акварели «Общество русских акварелистов» несомненно выполнило. Акварель снова начали воспринимать как самостоятельную, обладающую собственным языком область изобразительного искусства. Многие представители Общества стали учителями для следующего поколения художников.

Общество прекратило свою деятельность в 1918 году. В 1998 году общество было возрождено как «Общество акварелистов Санкт-Петербурга».

Объединение «Мир искусства»

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870—1960), Льва Бакста (1866—1924), Ивана Билибина (1876—1942), Константина Сомова (1869—1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871—1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877—1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Интересно, что создатели высочайшей графической культуры – «мирискусники» старшего поколения – в своем творчестве не часто обращались к технике чистой акварели. В «графических картинах», фантазиях на историческую тему они тяготели к более плотному корпусному письму и отдавали предпочтение гуаши и темпере, но приемы работы в этих техниках зачастую оставались акварельными. Акварельные работы А.Н.Бенуа, М.В.Добужинского, А.П.Остроумовой-Лебедевой почти всегда сдержаны и изысканны по цветовому решению, свободная работа акварельным пятном сочетается в них с активным рисунком, придающим графическую четкость организации поверхности листа.

Акварельные работы Сомова

Особого внимания заслуживают работы К.А.Сомова. В жизни и в искусстве он всегда оставался в тени своих более активных коллег. В истории изобразительного искусства, построенной преимущественно на основе живописных работ, он остался автором нескольких картин и десятка куртуазных гуашевых композиций, составляющих лишь малую толику его художественного наследия. Однако Сомов был превосходным акварелистом и верно служил акварели до последних дней своей жизни. Творчество художника соединяет обе линии развития техники, примиряя традиционалистов и сторонников поиска новых форм. Более того, в его аква- релях удивительным образом сходятся все нити, значимые для развития этой техники в России; он «пропустил через себя» все когда-либо существовавшие жанры, исследовал и испробовал все стили. Самой интересной и недооцененной страницей сомовского творчества являются натурные пейзажи, в которых запечатлено почти невозможное: едва уловимые эффекты смены состояния и настроения природы – ветер, дождь, сумерки, белые ночи. Радуга (излюбленный мотив Сомова) в маленьком этюде 1908 года изображена так, что воспринимается как своеобразная метафора акварели, зримое воплощение рождения цвета и формы в напоенном влагой и светом воздухе.

Акварели Борисова-Мусатова

Особняком в истории акварели стоит творчество В.Э.Борисова-Мусатова. Художник приходит к ней лишь в последние годы жизни – в период полного владения живописной формой. Колористическая насыщенность и осязаемость фактуры его работ маслом и темперой в поздних акварелях «Балкон осенью» (1905), «Реквием» (1905) оборачиваются прозрачностью, «нематериальностью» цвета, игрой полутонов, приглушенных размытых красок, тающих теней, что как нельзя более соответствует поэтическим образам его призрачного мира, балансирующего на тонкой грани реального и сочиненного.

Всесоюзные выставки акварели

В ХХ веке круг русских советских художников, работавших в технике акварели значительно расширился. Об этом интересе свидетельствуют Всесоюзные выставки акварели, регулярно проводившиеся начиная с 1965 года. Например, в VI Всесоюзной выставке акварели в 1981 году в Москве приняло участие около 400 художников. Среди крупнейших мастеров-акварелистов XX века Н. А. Тырса, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, С. Е. Захаров, М. А. Зубреева, А. С. Ведерников, Г. С. Верейский, П. Д. Бучкин, В. М. Конашевич, Н. Ф. Лапшин, В. В. Лебедев, Г. К. Малыш, А. Н. Самохвалов, С. И. Пустовойтов, В. А. Ветрогонский, В. С. Климашин, В. К. Тетерин, А. И. Фонвизин и другие.

Рост интереса к акварели в конце XX века

Такова в общих чертах история развития русской акварели. Ее особенность состоит в том, что в России не было обособленной подготовки узких профессионалов-акварелистов. Наметившийся в конце XX века рост интереса к акварели, изменил положение вещей. Знаковым событием стало открытие специализированной школы акварели Сергея Андрияки.

По материалам статьи Журнала "ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ" - Магия акварели. Автор - Ирина Шуманова

@akvarelyu🎨😊